Sangue Negro

A seqüência inicial arrebatadora, onde impera o silêncio e uma fotografia contrastada e repleta de sombras negras que escondem as facetas de um homem dentro de um poço, conseguem a façanha de deixar o cinema em puro silêncio, onde os espectadores não desviam o olhar e se concentram em uma cena angustiante, cuja mudez é quebrada por barulhos propositais e por um som assustador muito bem produzido para a trilha sonora.

Com um começo pouco usual e assustador, "Sangue Negro" vai mostrando-se aos poucos, no decorrer dos acontecimentos imprevisíveis a que submete Daniel Plainview, o protagonista e senhor absoluto do filme. Após achar uma pedra preciosa e se ver obrigado a cuidar do bebê do amigo minerador que morre no poço, Daniel passa a procurar petróleo, em busca de crescimento financeiro. As puladas no tempo vão nos mostrando os pontos-chave da trajetória de um homem rude e misterioso.

Ao lado do filho adotivo, ainda pequeno, Daniel vai enriquecendo e tornando-se poderoso com sua exploração independente. E o filme vai ganhando poder junto com ele, ao intercalar o sofrimento e angústia contidos no personagem com sua ambição e leve tendência a atos insanos. A competência e o amor que adquire pelo filho contrastam com a dureza com que ele vive seus dias, voltado exclusivamente para seu trabalho e objetivo de ter dinheiro para viver bem. E é nesse caminho tortuoso que Daniel encontra o jovem pastor Eli, seu antagonista que rende alguns dos melhores momentos do filme, capaz de quebrar o silêncio da platéia em risos, uivos e comentários.

A atmosfera torna-se permanente no filme, onde tudo é obscuro. É praticamente impossível penetrar nos sentimentos dos personagens, que confundem o espectador a todo momento e não se deixam mostrar. Tanta ambigüidade aumenta o desconforto e o fascínio que o enredo provoca, que deixa visível a divisão por capítulos do livro, mas que torna excitante esperar pelo o que virá.

A trilha sonora compõe o terror que se impõe sobre o espectador e dá corda para Daniel Day-Lewis usar e abusar de sua excelência como ator, dando um show em cena e fazendo com que seja impossível imaginar o filme com outra pessoa. O resto do elenco o acompanha, como que tendo o cuidado de nunca tentar sobrepôr pessoas tão fortes como Daniel ator e Daniel personagem. O filme é dele e acerta ao se concentrar nele. Exibe o perfil de um homem atormentado sem que essa tormenta fique exposta. Internaliza os fantasmas e assim o faz com a platéia, que parece prender a respiração até o último segundo dessa trama magistral de Paul Thomas Anderson.

Juno

Em uma entrevista que diz há um ano atrás, a jornalista e cineasta Ana Maria Bahiana me falou sobre a diferença entre um “bom filme” e um “grande filme”, já citado aqui na análise sobre “Conduta de Risco”. Na ocasião, ela falava de “Pequena Miss Sunshine”.

Alardeado pela crítica como uma espécie de sucessor de “Miss Sunshine” por ser um filme independente que conquistou o público e a academia, sendo indicado ao prêmio máximo do Oscar, o de Melhor Filme, “Juno” traz bons momentos e um roteiro bem amarrado e criativo, mas sem o brilho da saga da menina que percorre os Estados Unidos de van para vencer um concurso de beleza.

Neste, Juno é uma típica adolescente de 16 anos que descobre estar grávida e decide entregar o filho para adoção assim que ele nascer. Sem fazer grandes dramas ou trazer grandes sofrimentos, o filme aposta na leveza e vai mostrando o passar da gravidez e os conflitos de uma adolescente nesse período através da passagem das estações do ano.

Com um começo que soa um pouco forçado, o filme vai conquistando o espectador aos poucos, quando vai conseguindo que a história fique mais envolvente e emocionante, sem cair na pieguice ou no clichê. As interpretações são todas no tom certo e dão graça ao filme, com um roteiro criativo que entretém na medida certa.

O melhor de Juno é, porém, a forma como o filme não julga atitudes ou valores e mostra como acontecimentos não precisam virar grandes dramas ou tragédias. Gostoso de assistir, o filme definitivamente não é o melhor do ano e não chega a ser um grande filme, mas o bom dele é exatamente essa despretensão em não ser o que é: bom, simplesmente.

Conduta de Risco

Normalmente, bons profissionais costumam imprimir suas marcas nos filmes que fazem. Essa é a principal diferença entre “um filme de” e “um filme dirigido por”. E não é só na questão da direção, mas em outros aspectos técnicos que as marcas também fazem a diferença. Em “Conduta de Risco”, temos uma história aparentemente banal para um filme policial. O enredo envolve corrupção corporativa, ética profissional e dramas pessoais de um advogado brilhante que se vê desprestigiado após ficar viciado em jogos de azar. Quase uma mistura de “Erin Brockovich” com “Obrigado Por Fumar”.

O diferencial, porém, está no conteúdo desse roteiro, que traz um conteúdo mais profundo e elaborado, incomum para o gênero. Remete, assim, à Trilogia Bourne, série de filmes de ação estrelados por Matt Damon que mistura explosões com uma história coerente e interessante. A comparação tem sua razão de ser: o roteirista, Tony Gilroy, é o mesmo, e faz aqui sua estréia na direção, muito bem realizada, com tomadas criativas e um clima bem escolhido. A trilha sonora ajuda a compor a atmosfera do filme e lembra “Colateral”, do diretor Michael Mann. Novamente, com uma razão de ser: quem assina a trilha é o mesmo James Newton Howard.

E é dentro do caótico cenário escolhido que quase todos os personagens parecem sofrer crises de identidade, contaminados pelo vírus da sociedade moderna, consumidos pela ganância ou simplesmente pela necessidade de pagar as próprias contas. De George Clooney, o protagonista Michael Clayton, a Tilda Swinton, em uma brilhante interpretação da gélida Karen Crowder, o elenco está impecável e pode ser considerado o melhor do filme.

É interessante observar que “Conduta de Risco” faz parte da leva de filmes onde os tradicionais heróis nada têm de heróicos. São pessoas comuns, com tantos defeitos e problemas como qualquer ser humano, ou até mais do que a média, daí terem suas histórias interessantes contadas em uma tela de cinema. Os sentimentos melancólicos são tão sutis no protagonista como são extravasados pelo advogado interpretado por Tom Wilkinson, que garante algumas das melhores cenas do filme.

Seguindo a tendência de confundir para depois explicar aos poucos, presente no já citado Bourne, Gilroy é competente em sua intenção e ligeiramente pretensioso em fugir a alguns estereótipos e deixar espaço para a reflexão, cuja fama foi puxada pelo talento, inclusive como produtor, de Clooney, atual queridinho de Hollywood. No final, nos faz lembrar a diferença entre um bom filme e um grande filme. Esse, sem dúvida, é bom.

Onde Os Fracos Não Têm Vez

A impressão que fica após assistir "Onde Os Fracos Não Têm Vez" é a de um episódio. Um episódio de uma história de um país, ou mehor, de uma região de um país, onde cidadãos caipiras brincam de mocinho e bandido enquanto vivem suas vidas. Nesse caso, mostra um pouco do começo da história de um país, um fragmento do começo de uma época revolucionária para os costumes da sociedade.

O título original, que diz que não há país para homens velhos, joga o foco sobre o real protagonista da trama, o xerife Ed Tom Bell, que está prestes a se aposentar. Cansado de tudo, ele se vê às voltas com um último caso a resolver, o de uma chacina provocada por um misterioso mas conhecido bandido. Trata-se de um fragmento na vida do personagem e assim ele é apresentado ao espectador: como um fragmento, sem começo e sem fim. Apenas a última "missão" de um policial que não se importa o suficiente com ela, indo na contramão de todos os heróis americanos do velho oeste, inúmeras vezes retratados no cinema.

A opção dos irmãos Ethan & Joel Coen em ir na contramão do herói intocável de faroeste não poderia vir em melhor hora, no momento em que o país retratado prepara-se para se despedir daquele que pensa (ou tenta) ser a personificação maior do herói de bang-bang, o presidente texano George W. Bush. É importante e fundamental que um filme que expõe toda a fragilidade do sonho caipira texano em ver figuras heróicas e perfeitas idealizadas nas telas de cinema, por tanto tempo, vá por água abaixo em um retrato mais fiel e cru da realidade.

Ao abolir a trilha sonora e qualquer traço de suavidade cinemategráfica, os diretores expõe uma fábula extremamente violenta, sem que para isso precise apelar para o sangue e cenas explícitas. A violência incomoda da mesma maneira quando o filme opta pelo o que deve ou não ser mostrado, quando a cena fica discreta e implícita.

O elenco afiadíssimo completa as qualidades do filme. Mas nem as ótimas interpretações do veterano Tommy Lee Jones e do pouco conhecido Josh Brolin conseguem tirar o brilho de Javier Barden. Ele rouba o filme e faz o cinema gelar cada vez que o maníaco Anton entra em cena. Os espectadores ficam absolutamente hiponitizados por sua presença marcante e débil. Se depender do ator de 38 anos, que estourou nos cinemas há pouco tempo e que sem dúvida ainda tem muito caminho pela frente, e dos diretores, os dois com mais de 50 anos, há lugar, sim para os mais velhos.

Desejo e Reparação

Se um livro comum já é difícil de ser transposto para o cinema, um livro metalingüístico é ainda mais difícil. Ou altera-se o DNA original da história, trocando as auto-referência literárias por auto-referência cinematográficas (transformando um escritor em cineasta, por exemplo), o que pode arruinar o roteiro, ou faz-se como em "Desejo e Reparação".

O filme que conta a história de uma inventiva e promissora menina, que desde pequena já demosntra um incrível talento para escritora e por causa de uma paixão infantil arruina a vida e o relacionamento amoroso de sua irmã, faz referências literárias a todo momento e provoca uma sede por leitura, em especial do romance "Reparação", de Ian McEwan.

Cada cena contem o vigor de uma página literária e a narrativa nos conduz delicadamente a cada novo acontecimento e descoberta, propiciando surpresas dignas de um bom livro. A fragmentação do tempo, usada pelo diretor Joe Wright, nos conduz ainda aos diferentes pontos de vista, de acordo com cada personagem. Parece existir um narrado oculto que falha, erra, se arrepende e volta atrás. Nem tudo é real, nem tudo é o que parece, e isso o filme vai mostrando até a última cena.

Outra característica forte da presença literária é o envolvimento com os personagens. Embora o casal de protagonistas não nos permita um envolvimento maior, o sofrimento de ambos é transmitido para o espectador. E sem dúvida, a maliciosa Lola provoca raiva e a malvadinha Briony provoca raiva, desconfiança e até um pouco de pena.

Grande parte do mérito do filme e desse clima vem da trilha sonora. A forma como a trilha diegética (que faz parte da cena) torna-se incidental (que os personagens não ouvem na cena) e vice-versa, em especial com os sons de máquina de escrever, ajudam a nos transportar para as páginas de um romance filmado.

É perceptível, porém, que perde-se, na versão cinematográfica, a sutileza com que o tempo e os acontecimentos passam no livro. Coisas de adaptação. Mas nada que tire a beleza literária de uma obra cinematográfica que homenageia seu original ao invés de deturpá-lo.

Melhores e Piores de 2007

Início e final de ano são as épocas ideais para esse tipo de lista. Segue então os filmes que eu mais gostei e os que nunca entrariam na lista dos meus melhores:

OS 10 PREFERIDOS

1º Babel, de Alejandro Gonzalez Iñáritu

2º Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho

3º Notas Sobre Um Escândalo, de Richard Eyre

4º Bubble, de Eytan Fox

5º Stardust: O Mistério da Estrela, de Matthew Vaughn

6º Paris, Te Amo, de vários diretores

7º Hairspray: Em Busca da Fama, de Adam Shankman

8º A Rainha, de Stephen Frears

9º Ventos da Liberdade, de Ken Loach

10º Alpha Dog, de Nick Cassavetes

Menções Honrosas

Os filmes Pro Dia Nascer Feliz (João Jardim), Person (Marina Person), O Ultimato Borne (Paul Greengrass), Across the Universe (Julie Taymor) e A Culpa É do Fidel (Julie Gavras) ficaram de fora, mas valem ser mencionados.

OS 5 PIORES

1º Número 23, de Joel Schumacher

2º A Estranha Perfeita, de James Foley

3º Instinto Secreto, de Bruce A. Evans

4º Letra e Música, de Marc Lawrence

5º Hollywoodland: Bastidores da Fama, de Allen Coulter

Menções Honrosas

Os piores também têm as menções dos que ficaram de fora. A Volta do Todo-Poderoso (Tom Shadyac) não faz jus ao primeiro filme, Medos Privados em Lugares Públicos (Alain Resnais) não é um péssimo filme, mas me causou estranheza, e é claro, O Amor nos Tempos do Cólera (Mike Newell) foi a grande decepção do ano.

Filmes do semestre

O site "Liga dos Blogues Cinematográficos" realiza eleições dos filmes do semestre. Os participantes elegem os 10 melhores e os 5 piores que viram dos filmes lançados nos últimos seis meses. Apesar de eu não fazer parte do site, achei divertido fazer. Aqui vai minha lista:

Os 10 melhores:

1º Babel, de Alejandro González Iñárritu
2º Alpha Dog, de Nick Cassavetes
3º Proibido Proibir, de Jorge Durán
4º A rainha, de Stephen Frears
5º Ventos da Liberdade, de Ken Loach
6º Notas Sobre um Escândalo, de Richard Eyre
7º Pro dia nascer feliz, de João Jardim
8º Zodíaco, de David Fincher
9º Diamante de Sangue, de Edward Zwick
10º Borat, de Larry Charles

Os 5 piores:

1º Número 23, de Joel Schumacher
2º Hollywoodland: Bastidores da Fama, de Allen Coulter
3º A Estranha Perfeita, de James Foley
4º Letra e Música, de Marc Lawrence
5º Cão Sem Dono, de Beto Brant e Renato Ciasca

Os outros filmes lançados que eu assiti (na ordem de preferência):

Maria Antonieta, de Sofia Coppola
Pecados íntimos, de Todd Field
O Hospedeiro, de Bong Joon-ho
Sunshine – Alerta Solar, de Danny Boyle
Scoop ­ O Grande Furo, de Woody Allen
Homem-Aranha 3, de Sam Raimi
Mais Estranho que a Ficção, de Marc Forster
Lady Vingança, de Chanwook Park
O Cheiro do Ralo, de Heitor Dhalia
O Passageiro – Segredos de Adulto, de Flávio R. Tambellini
A Família do Futuro, de Stephen Anderson
Caixa Dois, de Bruno Barreto

Focado

Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix; Inglaterra/2007)

Transformar um livro de 700 páginas em 140 minutos de filme é uma tarefa difícil. Não importa quantas pessoas estejam envolvidas, o roteiro sempre vai precisar seguir por um só caminho ou priorizar determinadas coisas. É o que acontece com "Happy Potter e a Ordem da Fênix". Para deixar o filme coerente e adaptá-lo ao tamanho determinado, os roteiristas decidiram focar a história no protagonista que dá título à série. Com isso, a história da Ordem da Fênix, as tramas paralelas e até mesmo a Ordem de Fênix foram sendo suprimidas e diminuíram consideravelmente.

Apesar disso, o livro faz juz às confusões mentais e sentimentais que o protagonista passa no livro. Algumas normais aos adolescentes, outras que só o bruxo mais famoso do mundo teria. Ao escolher se concentrar nele, o filme mostra bem a evolução do personagem e prepara para o que virá.

O filme empolga, tem efeitos especiais de primeira linha e uma direção impecável. Tomadas aéreas do castelo, tudo muito bem cuidado e planos que fogem do óbvio estão presentes. O elenco continua afiadíssimo, com atuações perfeitas do time de feras que reúne Gary Oldman (Sirius), Ralph Fiennes (Voldemort), Maggie Smith (McGonnal), Fionna Shaw (Petúnia), Julie Walters (Sra. Wesley), Jason Isaac (Lúcio Malfoy), Michael Ganbom (Dumbledore), Alan Rickman (Spane) e até uma Emma Thompson (Sibilla) que participa pouco, mas briga. A surpresa veio com Imelda Staunton, que conseguiu deixar sua vilã Dolores Umbridge ainda mais irritante do que no livro.

A menina Emma Watson, que faz Hermione, brilha cada vez, preparando-se sem dúvida para ser uma grande estrela. Rupert Grint, o Rony, está cada vez melhor, mas teve pouca chance de se mostrar desta vez. E Daniel Radcliffe dá conta do recado como protagonista, mas fica aquém dos seus colegas.

Do ponto de vista do leitor de Harry Potter, a tragédia sofrida pelo protagonista fica muito pequena no filme, assim como a participação das divertidas Luna Lovegood e Tonks, que poderiam saltar aos olhos como no livro. Em compensação, a atmosfera criada para Bellatrix Lestrange faz dela uma vilã bem assustadora e impressionante, ajudada pela interpretação de Helena Bonham Carter.

O diretor David Yates faz um belo trabalho, ficando perto da competência de Alfonso Cuarón, diretor do terceiro filme. Assim, "Harry Potter e a Ordem de Fênix" funciona muito bem como a aventura fantasiosa a que se propõe e se aproxima de um público mais jovem e menos infantil.

Nas Profundezas da Vogue

Pode soar estranho, mas o maior mérito de “O Diabo Veste Prada” talvez seja o fato de o filme se levar a sério. Para falar da maior revista de moda do mundo e dessa indústria que movimenta bilhões, o diretor David Frankel acertou ao não ridicularizar o seu tema.
Na trama, a desajeitada Andrea é uma jornalista recém-formada sem nenhum senso de estilo que resolve tentar o emprego de assistente da editora-chefe da maior revista de moda do mundo. A intérprete, Anne Hataway, não acrescenta muito, apenas repete sua já conhecida fórmula de “patinho feio que vira cisne”, como em “O Diário da Princesa”. Acaba servido de ponte para Meryl Streep brilhar.
No papel da temida e egocêntrica Miranda Priestly, a atriz arranca gargalhadas com o jeito calmo, inabalável e onipotente da personagem, que assim como o enredo, é baseada no livro de mesmo nome, escrito pela ex-assistente de Ana Wintour, editora da “Vogue”. Ou seja, o que vemos na tela nada mais é do que uma versão exagerada da redação e dos bastidores do poder da imprensa de moda.
Calcado nesta realidade, fica mais fácil esquecer o romance clichê e as situações senso-comum para se divertir com as trapalhadas de Andrea e o conflito de viver para o lado profissional e esquecer o pessoal. É aí que entra a discussão mais interessante do filme: a ambição pela fama e poder. O caminho escolhido é melhor do que o que discutiria a futilidade dos ricos e bem-sucedidos empresários do ramo.
Em uma das cenas mais memoráveis, Andrea ri quando uma estilista fica em dúvida entre dois cintos muito semelhantes. Miranda, irritada pelo deboche sobre sua profissão, dá uma lição na assistente, explicando que quando ela vestiu o estranho suéter largo de manhã e pensou que estava alheia à moda, ela estava usando um produto escolhido pela revista para uma coleção de anos atrás, que depois de passar por muitas etapas, foi parar no brechó onde ela o achou.
O filme acaba mostrando também o poder feminino no dia de hoje. Os homens retratados são fracos e secundários mesmo quando são bem-sucedidos, mas ainda assim sentem-se superiores. Como quando Andrea diz a um jornalista que se Miranda fosse um homem, só falariam de sua competência e não do seu jeito durão.
Usando uma trilha sonora pop e muitas cores, luzes e figurinos caprichados ( e milionários ), “O Diabo Veste Prada” cai no final moralista e na lição de que o dinheiro não traz felicidade. A história é bobinha e não traz nada de inovador, mas ainda assim vale pela curiosidade de saber um pouco mais do que está por trás de tanto glamour e dinheiro e pelas piadas divertidas e leves. Melhor que “Sessão da Tarde”, mas sem chegar ao horário nobre.

Confira abaixo o ranking dos filmes vistos pelo TeleCinese no Festival do Rio 2006 e as notas de cada um:

Incompreensão humana

Na Bíblia, a torre de Babel foi construída pelos descendentes de Noé e foi castigada por Deus, que fez com que cada um falasse um idioma diferente. Assim, ninguém se entendia dentro dela. É Babel que dá o nome ao filme de Alejandro Gonzalez Iñárritu, onde a incompreensão é um dos temas principais.
Usando o mesmo estilo que o consagrou, o roteirista Guillermo Arriaga ( de “21 Gramas” ) usa histórias desencontradas que se cruzam no final. O enredo é construído mostrando um mesmo tiro que atinge a vida de um casal americano, uma babá mexicana, uma família marroquina e uma adolescente e um pai japoneses. Mesmo que a ligação com a história soe um pouco forçada no último caso, o resultado não ficou comprometido.
Mais do que turistas americanos tentando falar inglês no Marrocos ou uma jovem surda-muda tentando ter uma relação amorosa, a incompreensão do filme é mais subjetiva, vem da alma de cada personagem.
O filme ainda traz um bom paradoxo com a diluição de fronteiras, aproximando cantos do mundo numa subversão do espaço físico, mas totalmente possível nos dias de hoje – e sem mencionar a Internet.
Brad Pitt e Cate Blanchet fazem atuações sóbrias na medida que o filme pede, Gael Garcia Bernal aparece quase inutilmente ( apesar de boa atuação, o personagem é quase dispensável ) e os atores desconhecidos dão a credibilidade que marca o tom de Babel.
A atmosfera pesada estende-se por todo o filme, mas é minimizada por um final esperançoso. Ao fim, tem-se a impressão de que ninguém está falando a mesma língua. Por mais que se entenda as palavras, a compreensão depende de muito mais.

A sutileza de uma guerra

Um dos conflitos mais duradouros da história mundial, a briga entre irlandeses e o grupo radical IRA, pode ser explicado em sua origem nesse filmes.
Através da história de uma família camponesa do interior da Irlanda, o diretor Ken Loach mostra a arrogância e as atrocidades do exército britânico dentro da Irlanda, que leva dois irmãos a se juntarem a amigos para lutar contra a ocupação inglesa no país.
A relutância inicial do jovem médico Damien em fazer parte do movimento pela independência, transforma-se em obstinação e coragem que o leva a correr riscos e a lidar com o sofrimento pela perda de seus companheiros.
O filme causa uma aflição constante em ver os guerrilheiros sendo presos ou as mulheres – entre elas muitas idosas – sendo humilhadas e agredidas pelos oficiais. Essa aflição torna-se maior quando imaginamos que a realidade muitas vezes correspondeu a essa ficção.
Com um elenco afiado, ótima fotografia e uma direção primorosa, “The Wind That Shakes the Barley” faz jus à Palma de Ouro conquistada em Cannes, não só pela qualidade do roteiro e da produção, mas pela importância do tema e o modo como ele foi retratado na tela.
Mesmo que pensa para um lado, Ken Loach evita julgamentos e constrói seus argumentos na sutileza do vento que balança as plantações de cevada.

Para chegar ao paraíso

Para filmar “O Céu de Suely”, o diretor Karim Aïnouz levou os atores para uma pequena cidade do Ceará onde o filme se passa, deu aos personagens os nomes de seus intérpretes, confiscou as roupas do elenco ( deixando apenas os figurinos ) e os obrigou a passar dois meses morando no lugar onde a trama se desenvolve.
O resultado foi um realismo incrível que aliado a uma boa história contada de modo competente, resulta em um belíssimo filme. Nele, a jovem Hermila deixa São Paulo e volta para sua pobre cidade-natal com um filho a tiracolo, esperando pelo marido que nunca volta. Desiludida, ela logo percebe que precisa deixar o lugar novamente e para conseguir dinheiro, rifa o próprio corpo por uma noite.
No lugar de um filme pesado, o diretor apresenta tudo de uma forma suave e em certos momentos quase romântica, mas ainda assim crua. Faz um jogo de esconder e mostrar que quebra um pouco a narrativa, dando a possibilidade de a imaginação do espectador também trabalhar.
No decorrer do filme, os personagens vão tomando forma e a história envolve de maneira que só um elenco de tirar o fôlego consegue com tanta perfeição. A realidade mostrada na tela chega a ser surreal para boa parte do público, mas é encarada com tanta naturalidade que torna-se compreensível.
No meio de tanta qualidade, a fotografia consegue se destacar ainda mais, fazendo jus ao seu realizador, Walter Carvalho. Não só os atores, mas a desconhecida e castigada paisagem nordestina surge de uma forma a encher os olhos.
Nas palavras do diretor, “O Céu de Suely” é um filme sobre a sutiliza da alma humana e a conclusão a que se pode chegar é exatamente essa.

Todo mundo tem um pouco

Coqueluche do Festival do Rio de 2006, “C.R.A.Z.Y.” foi marcado por sessões lotadas e um sucesso resultante da repercussão “boca a boca”. Tanto que, segundo o blog Cinema Mon Amour, a estréia em circuito foi antecipada para o dia 06 de Outubro.
No filme, uma história aparentemente banal: família canadense de classe média constituída por um casal feliz e cinco filhos de personalidades muito diferentes: um rebelde, um intelectual, um esportista, um sensível e um bebê.
Longe do fácil caminho de explorar conflitos familiares e a relação da família com a política e a sociedade, o filme mostra a evolução do protagonista Zack através dos anos, calcado em seu gosto musical, de Pink Floyd ao punk.
Na fase David Bowie, o personagem atravessa a fase mais confusa, quando a dúvida em relação a sentimentos e sexualidade – presente em qualquer adolescente – atinge seu ápice, no que é provavelmente o melhor momento do filme.
Tudo em “C.R.A.Z.Y.” é muito real e natural, incluindo a brincadeira que a história faz com a fé e a religiosidade da família. O diferencial está na maneira de contar do diretor Jean-Marc Vallée, que faz do enredo simples, um filme leve mas extremamente interessante.
No final, tem-se a impressão de que o filme foi inspirado em uma história real, mas a verdade é que ela reflete muitas histórias reais: se não aconteceu, poderia ter acontecido com você ou qualquer um.

Fórmula velha, mas eficiente

Na contramão da nova tendência de filmes realistas que trocam a fantasia por um enredo próximo ao real, “Dália Negra” retorna aos anos 40, não apenas na história apresentada no filme, mas em toda a sua concepção. Desde a primeira cena, o espectador mergulha na década longínqua e tem a impressão de estar assistindo uma produção de 60 anos atrás, mas com modernos efeitos de câmera e uma qualidade indiscutível.
O diretor Brian De Palma reconstitui uma Hollywoodland excitante, onde tudo pode acontecer. Do narrador à trilha sonora, tudo contribui para a atmosfera antiga e deslumbrante do meio do século, onde aspirantes a atriz faziam de tudo para conseguir um papel no cinema, conquistar fama e fortuna e se tornar uma grande diva.
A produção começa com policiais boxeadores lutando como se fossem super-heróis. Sr. Gelo e Sr. Fogo, como são apelidados, rapidamente ganham importância e um caso: uma aspirante a atriz assassinada. Começa então uma corrida atrás de pistas. Enquanto o protagonista Bucky vai trilhando um caminho perigoso e envolvendo-se com a filha de um poderoso milionário, o parceiro dele, Lee, beira a loucura em uma obsessão por resolver o crime. No meio de tudo, a sensual Kay, teme pela vida do namorado Lee e aproxima-se de Bucky.
Scarlet Johansson acerta o ponto exagerado como pedem as grandes divas de 40. Josh Hartnett funciona bem como ator principal, em uma interpretação normal. E Hillary Swank faz com que o público esqueça que ela não foi provida com muita beleza e consegue passar uma imagem sexy na ótima interpretação e caracterização.
De Palma acerta na condução, mas a ansiedade toma conta do final, quando uma série de revelações excita mas confunde. O roteiro cheio de surpresas é bem amarrado, mas a idéia de deixar restrito à última hora do filme acaba não sendo tão eficiente.
A atmosfera bem ao estilo de filmes de gângster faz com que “Dália Negra” seja um exemplo do bom e velho “cinemão”. Mesmo trazendo pouca inovação, o filme explica porque ainda gostamos dos clássicos.

Atriz de Aço

Quando surgiu em 1993, o seriado “Lois & Clark: The New Adventures Of Superman” conquistou não só fãs dos quadrinhos do super-herói, mas um público enorme nos Estados Unidos. Logo, a Globo trouxe os episódios em versão dublada, batizado de “As Novas Aventuras do Superman” e mais tarde sem o “novas”, ficando apenas “As Aventuras do Superman”.
O sucesso no Brasil também foi imediato e levou a emissora a colocar a série em horário nobre na Quinta-feira e depois no Domingo ( com constantes mudanças, é verdade, mas durante certa época foi ao ar depois do “Fantástico” ). Além disso, foram exibidos todos os episódios, até o último, o que é bem raro de acontecer com enlatados americanos na TV aberta do Brasil.
Mas o que mais chamava a atenção no programa não era o bom roteiro, nem o humor, nem as aventuras bem boladas. Era um fator que já podia ser antecipado pelo título original da série: Lois Lane. Mais do que o par romântico do protagonista Clark Kent / Superman, a Lois aqui era também protagonista e peça-chave no desenvolvimento de todos os episódios e temporadas.
E o sucesso dela deve-se muito ao talento de sua intérprete, Teri Hatcher. A atriz enfeitiçou os homens que acompanhavam a série e serviu de modelo para as mulheres, construindo uma personagem forte e diferente das outras versões que a repórter teve em filmes e gibis.
O sucesso de Teri elevou o salário da atriz e na revista “Herói”, destinada a desenhos animados e seriados infanto-juvenis, foi criada a seção “Cantinho da Lois”, com curiosidades e fotos dela em todas as edições, mostrando que a paixão por Teri e Lois era quase unânime.
Na última temporada, o salário de Teri já havia ultrapassado o de Dean Cain, intérprete do Superman, e hoje é tido como um dos motivos que levou a Warner a cancelar o show.
Depois de fazer uma ponta em um filme de outro herói, 007, Teri sumiu do mapa e parecia fadada a ser lembrada apenas por “Lois & Clark”. Mas em 2005, ela engatou em “Desperate Housewives”, sucesso de público e crítica que garantiu o Emmy (uma espécie de Oscar da TV americana) de Melhor Atriz, levando a bela às lágrimas, principalmente pelo fato de nunca ter sido indicada a nada anteriormente, como ressaltou no discurso.
A maturidade que Teri conquistou desde o fim da série do homem de aço, em 1997, até o papel de destaque na nova série, oito anos depois, é evidente. E garante aos fãs saudosos da intrépida jornalista do “Planeta Diário”, um conforto em ver que mesmo se transformando em Susan, Teri continua nos rendendo bons momentos em frente à TV.

Sem pudor

Transamérica ( EUA, 2005 )
Dirigido por Duncan Tucker

Comédias sobre transexuais ou qualquer outro gênero sexual diferente da maioria tendem a resultar em filmes pobres e medíocres. Mas esse não é o caso de “Transamérica”, uma feliz exceção.
No ‘road movie’, a transexual Bree descobre que tem um filho duas semanas antes de realizar a operação definitiva de troca de sexo e a condição imposta pela psiquiatra para que ela autorize a operação é que Bree vá conhecer e ajudar o filho desconhecido. Começa então uma viagem de carro de Nova York a Los Angeles onde os dois vão se conhecendo, sem que ele saiba que aquela mulher que se passa por missionária cristã é na verdade seu pai Stanley, que ele nunca conheceu.
O grande trunfo do diretor é dosar comédia e drama no tom certo. Os risos dos espectadores são contidos, não escancarados, assim como as situações do filme. Os momentos mais pesados não são suavizados por artifícios, mas sim pela realidade, já que entende-se que aquilo ali é comum dentro do contexto.
Os personagens vivem vidas outside, ela com um sub-emprego em um restaurante mexicano, ele com um passado de garoto de programa e vislumbrando uma carreira no cinema pornográfico. O que os une é a dificuldade de enxergar-se de verdade, o que precisa ser feito para que os outros os enxerguem.
Observar a relação dos dois sendo construída é talvez um dos pontos mais interessantes, a medida que Toby vai conhecendo e confiando em Bree, que oferece o cuidado que ele nunca teve. Sem perceber, os personagens vão adquirindo sentimentos típicos de pai e filho. Em certos momentos, é mais interessante observar a cabeça de um “menino perdido” de 17 anos, que alheio a convenções e normas da sociedade, confunde sentimentos fraternos com sentimentos quase incestuosos, resultado de seu passado de abuso e prostituição.
Felicity Huffman faz uma interpretação assustadoramente real que lhe rendeu a indicação ao Oscar de Melhor Atriz. Ela passa anos-luz da interpretação ok da vencedora Reese Whiterspoon, mas isso aumenta ainda mais o sentimento de exclusão da sociedade que a personagem tem. E o novato em cinema Kevin Zegers cumpre bem seu papel, mas fica um pouco escondido atrás da beleza.
Para dar certo, o filme precisava despir-se de todos os pudores. E é o que acontece. O diretor não se preocupa em mascarar nada e compõe os ambientes de modo que uma história underground não se torne um filme incômodo ou pesado. Mais do que o encontro entre um pai transexual e um filho problemático, “Transamérica” é o encontro de duas pessoas incompletas que precisavam se conhecer para encaixar a peça que faltava no quebra-cabeça.

TV aberta no Brasil

A TV digital chega em breve ao Brasil e a discussão sobre o fato é muita. Boatos e especulações estão por toda parte e não sabemos se estamos sendo manipulados ou realmente está havendo uma grande confusão ou conflito de interesses. A escolha do sistema que será adotado no Brasil parece uma grande novela, cujo final está sendo adiado cada vez mais pelo governo.

É quase certo que o padrão japonês será o escolhido, já que as emissoras de TV aberta estão se mobilizando em uma campanha em prol dele. Apesar de ser o mais moderno e provavelmente mais adequado, o fato que justifica isso é que com o japonês, não será permitida a entrada de novos canais gratuitos, o que arruína, por exemplo, os planos das empresas de telecomunicação de integrarem esse lucrativo filão de espectadores. O padrão permite uma maior qualidade de programação ou uma divisão em diferentes programações em um mesmo canal. As emissoras vão optar pela maior qualidade, já que arcar com mais de uma programação simultânea não seria de interesse delas. E assim a banda de canais não pode ser estendida.
Em tempos de TV por assinatura, muita gente não sabe quais são os canais da TV aberta, transmitidos para qualquer casa que possua uma antena sem que o dono do aparelho de televisão precise pagar para assistir. Existem dois sistemas de antena, o VHF e o UHF. O segundo traz mais canais, mas não está disponível em todos os lugares. O primeiro é o sistema que pode ser, teoricamente, sintonizado em qualquer loca. Fiz um panorama das emissoras de TV presentes no Brasil atualmente:

TVE Brasil ( Canal 2 )

A TV estatal conta com a maior qualidade de conteúdo de programação, trazendo atrações educativas e culturais. Existe um investimento em bons programas infantis e muitos programas de entrevistas e debates. Sem fazer propaganda do governo, conta atualmente com um público formado por intelectuais, entre estudantes e professoras em uma maioria.

Globo ( Canal 4 )

Enquanto a TV Tupi, primeira emissora brasileira de televisão, entrava em decadência, a TV Globo investia em profissionais e conquistava o público. O lançamento foi polêmico, já que o dono, o empresário Roberto Marinho, utilizou recursos da empresa estrangeira Time, proibido pela legislação da época. Hoje, a Globo tem um poder absoluto e hegemonia incontestável, atende a todas as classes e possui a melhor qualidade técnica. A quinta maior emissora do mundo, porém, não é unânime: freqüentemente é acusada de manipulação. Já ajudou a eleger e derrubar presidentes e já foi tema de um documentário da BBC com várias acusações.

Bandeirantes ( Canal 5 )

A Band já foi “o canal dos esportes”, já teve novelas e já competiu pelo primeiro lugar de audiência. Hoje, não entra na briga e sobrevive com um bom público interessado nos esportes que transmite, além de um jornalismo competente e programas de variedades, alguns de fofocas e anúncios e outros interessantes com boas entrevistas. Ganha destaque em eventos como o carnaval, mas não é uma grande ameaça a Globo, com quem mantém uma boa relação. Possui dois canais segmentados, o "Band News" e o "Band Sports".

Rede TV! ( Canal 6 )

Mais nova de todas as emissoras, entrou no lugar da TV Manchete, que era controlada pela família Bloch e afundou em dívidas após um desastrado investimento em tecnologia. Começou bem, com seriados antigos, programas interessantes e a promessa de crescimento. Com o tempo, desandou no popularesco, sendo invadida por programas de fofocas e baixarias, do mais baixo nível.

Record ( Canal 7 )

Controlada pela Igreja Universal, a emissora com maior conteúdo religioso na programação nunca freqüentou a primeira posição na preferência do público, até o ano passado. Com um investimento pesado em tecnologia e em profissionais que tirou da Globo, a emissora copiou o padrão da líder de audiência e conseguiu aparecer. Demitiu o jornalista Boris Casoy, que imprimia opiniões fortes ao principal telejornal, e trocou por um casal de âncoras e um jornalismo mecânico ao estilo do “Jornal Nacional”, principal produto informativo da Globo. Além disso, a novela “Prova de Amor” conseguiu vencer a audiência da concorrente global e ameaçou até a audiência do JN, utilizando trama e atores conhecidos há muito pelos telespectadores.

CNT ( Canal 9 )

Lanterninha da audiência televisiva, o CNT vende espaços na programação e apresenta programas destinados ao público mais ignorante. Com péssima qualidade técnica, falta de sincronia entre áudio e vídeo e programas com baixaria e péssimo conteúdo. Pouca coisa salva na emissora, mas às vezes surge algum destaque que é logo capturado pelas emissoras maiores.

SBT ( Canal 11 )

Criado há 25 anos, o canal tem como dono Silvio Santos, ex-apresentador da Globo e um dos maiores comunicadores do país. Dedicado a uma faixa da população menos instruída e de classes sociais de média para baixo, com algumas exceções, o canal se perde um pouco ao tentar ter uma qualidade grande filmes e jornalismo misturado a novelas mexicanas e programas de auditório barato. Durante anos em segundo lugar na audiência, vem perdendo terreno para a Record e obrigado os diretores a realizarem mudanças bruscas e inesperadas na grade.

Segredo nosso de cada dia

Caché (França, 2006)
Dirigido por Michael Haneke

Poderia ser um enredo de thriller americano: um casal comum e bem-sucedido começa a receber fitas de vídeo que monitoram a entrada e saída da casa e desenhos de um boneco jorrando sangue. Poderia, mas não é.
Em “Caché”, o diretor austríaco Michael Haneke se mantém fiel ao estilo de seu último trabalho lançado no Brasil, “A Professora de Piano”, de 2001: muitos planos parados e uma subjetividade exacerbada que esconde do espectador mais desavisado o verdadeiro tema do filme.
O enredo nos conduz a uma história de desestruturação familiar, onde segredos banais tomam dimensões exageradas e revelam aspectos da vida cotidiana que os personagens inconscientemente escondiam. A vida do casal e do filho de 12 anos passa a ser manipulada pela pessoa que envia as fitas e assim desenterra fantasmas do passado. “Caché” não entra no rótulo de filme de mistério, mas pode ser definido como um filme misterioso. Não pela condução do roteiro, mas pela multiplicidade de interpretações e dúvidas que é capaz de produzir.
Beirando o pânico, a dona-de-casa vivida por Juliette Binoche questiona os segredos que o marido interpretado por Daniel Auteuil não acha necessário expor. Sem escancarar seu foco, o longa é conduzido em uma narrativa quase entediante que transpõe exatamente o ritmo em que vivem os personagens. A sutiliza e o lugar-comum ajudam a compor e entender a idéia de que não importa quem ou por que as fitas estavam sendo enviadas, mas o quão vulneráveis são as pessoas.
Em “A Professora de Piano”, a personagem de Isabelle Huppert esconde a perversão sexual atrás de uma postura rígida e fria. Em “Caché”, o protagonista George esconde outro tipo de perversão, a de um ato egoísta quando criança, atrás de uma apatia melancólica.
Mais do que um drama sobre a queda de uma família normal, o filme é um conto atual sobre o poder das imagens, da falta de privacidade e da tentativa das pessoas de seguirem com suas normas e apatia pré-estabelecidas.
A produção francesa brilha e brinca com o título (“caché” significa “escondido”) e com o espectador, revelando-se aos poucos e provocando sensações próximas da realidade cotidiana de cada um.

Futuro que nos aguarda

Estar na capa do caderno de cultura do principal jornal do Rio não é para qualquer um. A repercussão é imediata e pode abrir portas, dependendo do motivo da capa. Eduardo Valente sentiu esse gostinho na terça-feira, dia 02 de Maio. O motivo é que é o terceiro ano consecutivo em que o cineasta representa o Brasil com um curta-metragem no Festival de Cannes.

Formado em cinema pela UFF, Eduardo Valente era crítico de cinema no site "Contracampo" e venceu a competição de curta universitário com "O Sol Alaranjado". A vitória surpreendeu o próprio diretor, já que concorria com uma super-produção de uma universidade particular de Berlim. O presidente do júri do festival, o diretor Martin Scorsese (de "Taxi Driver") disse que escolheu o curta brasileiro porque o lembrou de quando era quando fazia seus primeiros filmes.

"O Sol Alaranjado" conta a relação de uma filha e de um pai doente. Já "Castanho", segundo curta dirigido por Valente e que esteve no Festival em 2005, é uma comédia sobre a beleza e a vaidade feminina. E o mais recente, o policial "O Monstro", que concorrerá no festival desse ano, conta um episódio trágico na vida de um pescador. O curta faz uma crítica à mídia televisiva.

As três produções, de qualidade excepcional, foram exibidas na Casa de Rui Barbosa, no Rio de Janeiro, junto com dois vídeo-clipes da banda Los Hermanos, que está presente na trilha sonora dos três curtas do cineasta.

Em entrevista concedida a mim para a TV PUC Rio, Valente disse que o papel dos novos cineastas é mostrar uma visão do mundo diferente das que vemos atualmente. Ele explicou que a maior vantagem do prêmio em Cannes foi a visibilidade que os curtas tiveram para o público em geral. E finalizou contando que acredita que o mercado de cinema brasileiro está melhor e que mesmo com alguns problemas a resolver, pode estar caminhando para o que seria o ideal.