TeleCinese

OSCAR 2008

2008-02-21T11:28:00.000-08:00

Segue a minha lista pessoal de preferências e palpites para o Oscar desse ano:

Melhor Filme:

DESEJO E REPARAÇÃO

Gosto de filmes que me fazem sentir alguma coisa e sem dúvida nenhuma, dos cinco indicados, o que mais me provocou sensações foi esse. Na segunda opção, ficaria “Sangue Negro”. Mas minha aposta vai para “Onde os Fracos Não Têm Vez”.

Melhor Ator:

DANIEL DAY-LEWIS, por SANGUE NEGRO

Não só é a melhor performance, como aposto nele para receber a estatueta. Difícil pensar em alguém que supere Day-Lewis.

Melhor Atriz:

Das indicadas, assisti apenas Ellen Page, em “Juno”, mas estou ansioso para conferir Cate Blanchett, uma das melhores atrizes dessa geração, em “Elizabeth”. De qualquer forma, dizem que a maior injustiça do mundo será Marion Cotillard não vencer por "Piaf" (que quero muito assistir também). E não devem, pois dizem que a favorita é Julie Christie, por “Longe Dela”.

Melhor Ator Coadjuvante:

JAVIER BARDEM, por ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Apesar de eu não ter assistido a todos – como, aliás, muitos votantes da Academia – eu acho uma performance estarrecedora e tão fria a ponto de ter feito mal para o ator, como ele admitiu em algumas entrevistas. Acho que leva, até para que a Academia legitime Bardem como um dos grandes atores dessa geração.

Melhor Atriz Coadjuvante:

SAOIRSE RONAN, por DESEJO E REPARAÇÃO

Não assisti a todos, mas eu adoraria ver uma criança ganhar. E a interpretação da pequena Saoirse é realmente uma das melhores coisas do filme. Mas aposto em Cate Blanchett, que além de muito elogiada por ter feito Bob Dylan em “Não Estou Lá”, está indicada também a Melhor Atriz e não deve sair de mãos vazias.

Melhor Diretor:

PAUL THOMAS ANDERSON, por SANGUE NEGRO

Apesar de eu preferir “Desejo e Reparação” e achar que os irmãos Cohen ganham o Melhor Filme, é inegável que a direção de Anderson, que também escreveu o roteiro, merece um Oscar. Foram cenas difíceis de executar e a Academia já não tem mais repetido a dobradinha de prêmios que ia para Filme e Diretor.

Melhor Roteiro Original:

RATATOUILLE, por BRAD BIRD, JAN PINKAVA e JIM CAPOBIANCO

Confesso: eu adoraria ver uma ex-stripper subir ao palco para receber o Oscar, no caso de Diablo Cody, por "Juno". Mas o roteiro é simples demais, apesar de criativo. Já Ratatouille é extremamente criativo e mereceria. Mas acho que “Conduta de Risco” tem mais chances.

Melhor Roteiro Adaptado:

DESEJO E REPARAÇÃO, por CHRISTOPHER HAMPTON

Adaptar é uma tarefa difícil e Christophen Hampton conseguiu fazer com que os fãs do livro “Reparação” se curvassem também ao filme. A atmosfera literária mostra a eficiência da adaptação. Paul Thomas Anderson também não fica muito atrás, seria a segunda opção. Mas novamente, acho que os irmãos Cohen levam por “Onde os Fracos Não Têm Vez”.

Melhor Fotografia:

SANGUE NEGRO

A fotografia contrastante e com muitas sombras foi um trabalho perfeito e merece um prêmio. Deve levar.

Melhor Montagem:

O ULTIMATO BOURNE

Muito bem editado, é um dos melhores filmes de ação já feitos, por ter conteúdo e não só porradas e tiros. A montagem é inteligente e excitante, mesclando cenas agitadas com diálogos bem construídos. Não consigo arriscar um palpite, mas não deve ser para Bourne.

Melhor Direção de Arte:

SWEENEY TODD: O BARBEIRO DEMONÍACO DA RUA FLEET

Tim Burton é Tim Burton e isso significa dizer que o filme tem uma direção de arte impecável. Com certeza eu daria o prêmio e acho que a Academia também.

Melhor Longa de Animação:

RATATOUILLE

Indicado até a Melhor Roteiro, a animação da Disney é realmente incrível. E deve levar o Oscar.

* Sobre os outros prêmios, acho melhor não opinar porque não vi a maioria dos concorrentes ou não tenho especialização para escolher.

Sangue Negro

2008-02-21T10:55:00.000-08:00

A seqüência inicial arrebatadora, onde impera o silêncio e uma fotografia contrastada e repleta de sombras negras que escondem as facetas de um homem dentro de um poço, conseguem a façanha de deixar o cinema em puro silêncio, onde os espectadores não desviam o olhar e se concentram em uma cena angustiante, cuja mudez é quebrada por barulhos propositais e por um som assustador muito bem produzido para a trilha sonora.

Com um começo pouco usual e assustador, "Sangue Negro" vai mostrando-se aos poucos, no decorrer dos acontecimentos imprevisíveis a que submete Daniel Plainview, o protagonista e senhor absoluto do filme. Após achar uma pedra preciosa e se ver obrigado a cuidar do bebê do amigo minerador que morre no poço, Daniel passa a procurar petróleo, em busca de crescimento financeiro. As puladas no tempo vão nos mostrando os pontos-chave da trajetória de um homem rude e misterioso.

Ao lado do filho adotivo, ainda pequeno, Daniel vai enriquecendo e tornando-se poderoso com sua exploração independente. E o filme vai ganhando poder junto com ele, ao intercalar o sofrimento e angústia contidos no personagem com sua ambição e leve tendência a atos insanos. A competência e o amor que adquire pelo filho contrastam com a dureza com que ele vive seus dias, voltado exclusivamente para seu trabalho e objetivo de ter dinheiro para viver bem. E é nesse caminho tortuoso que Daniel encontra o jovem pastor Eli, seu antagonista que rende alguns dos melhores momentos do filme, capaz de quebrar o silêncio da platéia em risos, uivos e comentários.

A atmosfera torna-se permanente no filme, onde tudo é obscuro. É praticamente impossível penetrar nos sentimentos dos personagens, que confundem o espectador a todo momento e não se deixam mostrar. Tanta ambigüidade aumenta o desconforto e o fascínio que o enredo provoca, que deixa visível a divisão por capítulos do livro, mas que torna excitante esperar pelo o que virá.

A trilha sonora compõe o terror que se impõe sobre o espectador e dá corda para Daniel Day-Lewis usar e abusar de sua excelência como ator, dando um show em cena e fazendo com que seja impossível imaginar o filme com outra pessoa. O resto do elenco o acompanha, como que tendo o cuidado de nunca tentar sobrepôr pessoas tão fortes como Daniel ator e Daniel personagem. O filme é dele e acerta ao se concentrar nele. Exibe o perfil de um homem atormentado sem que essa tormenta fique exposta. Internaliza os fantasmas e assim o faz com a platéia, que parece prender a respiração até o último segundo dessa trama magistral de Paul Thomas Anderson.

Juno

2008-02-20T12:01:00.000-08:00

Em uma entrevista que diz há um ano atrás, a jornalista e cineasta Ana Maria Bahiana me falou sobre a diferença entre um “bom filme” e um “grande filme”, já citado aqui na análise sobre “Conduta de Risco”. Na ocasião, ela falava de “Pequena Miss Sunshine”.

Alardeado pela crítica como uma espécie de sucessor de “Miss Sunshine” por ser um filme independente que conquistou o público e a academia, sendo indicado ao prêmio máximo do Oscar, o de Melhor Filme, “Juno” traz bons momentos e um roteiro bem amarrado e criativo, mas sem o brilho da saga da menina que percorre os Estados Unidos de van para vencer um concurso de beleza.

Neste, Juno é uma típica adolescente de 16 anos que descobre estar grávida e decide entregar o filho para adoção assim que ele nascer. Sem fazer grandes dramas ou trazer grandes sofrimentos, o filme aposta na leveza e vai mostrando o passar da gravidez e os conflitos de uma adolescente nesse período através da passagem das estações do ano.

Com um começo que soa um pouco forçado, o filme vai conquistando o espectador aos poucos, quando vai conseguindo que a história fique mais envolvente e emocionante, sem cair na pieguice ou no clichê. As interpretações são todas no tom certo e dão graça ao filme, com um roteiro criativo que entretém na medida certa.

O melhor de Juno é, porém, a forma como o filme não julga atitudes ou valores e mostra como acontecimentos não precisam virar grandes dramas ou tragédias. Gostoso de assistir, o filme definitivamente não é o melhor do ano e não chega a ser um grande filme, mas o bom dele é exatamente essa despretensão em não ser o que é: bom, simplesmente.

Conduta de Risco

2008-02-07T19:49:00.000-08:00

Normalmente, bons profissionais costumam imprimir suas marcas nos filmes que fazem. Essa é a principal diferença entre “um filme de” e “um filme dirigido por”. E não é só na questão da direção, mas em outros aspectos técnicos que as marcas também fazem a diferença. Em “Conduta de Risco”, temos uma história aparentemente banal para um filme policial. O enredo envolve corrupção corporativa, ética profissional e dramas pessoais de um advogado brilhante que se vê desprestigiado após ficar viciado em jogos de azar. Quase uma mistura de “Erin Brockovich” com “Obrigado Por Fumar”.

O diferencial, porém, está no conteúdo desse roteiro, que traz um conteúdo mais profundo e elaborado, incomum para o gênero. Remete, assim, à Trilogia Bourne, série de filmes de ação estrelados por Matt Damon que mistura explosões com uma história coerente e interessante. A comparação tem sua razão de ser: o roteirista, Tony Gilroy, é o mesmo, e faz aqui sua estréia na direção, muito bem realizada, com tomadas criativas e um clima bem escolhido. A trilha sonora ajuda a compor a atmosfera do filme e lembra “Colateral”, do diretor Michael Mann. Novamente, com uma razão de ser: quem assina a trilha é o mesmo James Newton Howard.

E é dentro do caótico cenário escolhido que quase todos os personagens parecem sofrer crises de identidade, contaminados pelo vírus da sociedade moderna, consumidos pela ganância ou simplesmente pela necessidade de pagar as próprias contas. De George Clooney, o protagonista Michael Clayton, a Tilda Swinton, em uma brilhante interpretação da gélida Karen Crowder, o elenco está impecável e pode ser considerado o melhor do filme.

É interessante observar que “Conduta de Risco” faz parte da leva de filmes onde os tradicionais heróis nada têm de heróicos. São pessoas comuns, com tantos defeitos e problemas como qualquer ser humano, ou até mais do que a média, daí terem suas histórias interessantes contadas em uma tela de cinema. Os sentimentos melancólicos são tão sutis no protagonista como são extravasados pelo advogado interpretado por Tom Wilkinson, que garante algumas das melhores cenas do filme.

Seguindo a tendência de confundir para depois explicar aos poucos, presente no já citado Bourne, Gilroy é competente em sua intenção e ligeiramente pretensioso em fugir a alguns estereótipos e deixar espaço para a reflexão, cuja fama foi puxada pelo talento, inclusive como produtor, de Clooney, atual queridinho de Hollywood. No final, nos faz lembrar a diferença entre um bom filme e um grande filme. Esse, sem dúvida, é bom.

Onde Os Fracos Não Têm Vez

2008-02-03T18:51:00.000-08:00

A impressão que fica após assistir "Onde Os Fracos Não Têm Vez" é a de um episódio. Um episódio de uma história de um país, ou mehor, de uma região de um país, onde cidadãos caipiras brincam de mocinho e bandido enquanto vivem suas vidas. Nesse caso, mostra um pouco do começo da história de um país, um fragmento do começo de uma época revolucionária para os costumes da sociedade.

O título original, que diz que não há país para homens velhos, joga o foco sobre o real protagonista da trama, o xerife Ed Tom Bell, que está prestes a se aposentar. Cansado de tudo, ele se vê às voltas com um último caso a resolver, o de uma chacina provocada por um misterioso mas conhecido bandido. Trata-se de um fragmento na vida do personagem e assim ele é apresentado ao espectador: como um fragmento, sem começo e sem fim. Apenas a última "missão" de um policial que não se importa o suficiente com ela, indo na contramão de todos os heróis americanos do velho oeste, inúmeras vezes retratados no cinema.

A opção dos irmãos Ethan & Joel Coen em ir na contramão do herói intocável de faroeste não poderia vir em melhor hora, no momento em que o país retratado prepara-se para se despedir daquele que pensa (ou tenta) ser a personificação maior do herói de bang-bang, o presidente texano George W. Bush. É importante e fundamental que um filme que expõe toda a fragilidade do sonho caipira texano em ver figuras heróicas e perfeitas idealizadas nas telas de cinema, por tanto tempo, vá por água abaixo em um retrato mais fiel e cru da realidade.

Ao abolir a trilha sonora e qualquer traço de suavidade cinemategráfica, os diretores expõe uma fábula extremamente violenta, sem que para isso precise apelar para o sangue e cenas explícitas. A violência incomoda da mesma maneira quando o filme opta pelo o que deve ou não ser mostrado, quando a cena fica discreta e implícita.

O elenco afiadíssimo completa as qualidades do filme. Mas nem as ótimas interpretações do veterano Tommy Lee Jones e do pouco conhecido Josh Brolin conseguem tirar o brilho de Javier Barden. Ele rouba o filme e faz o cinema gelar cada vez que o maníaco Anton entra em cena. Os espectadores ficam absolutamente hiponitizados por sua presença marcante e débil. Se depender do ator de 38 anos, que estourou nos cinemas há pouco tempo e que sem dúvida ainda tem muito caminho pela frente, e dos diretores, os dois com mais de 50 anos, há lugar, sim para os mais velhos.

Desejo e Reparação

2008-02-02T20:53:00.000-08:00

Se um livro comum já é difícil de ser transposto para o cinema, um livro metalingüístico é ainda mais difícil. Ou altera-se o DNA original da história, trocando as auto-referência literárias por auto-referência cinematográficas (transformando um escritor em cineasta, por exemplo), o que pode arruinar o roteiro, ou faz-se como em "Desejo e Reparação".

O filme que conta a história de uma inventiva e promissora menina, que desde pequena já demosntra um incrível talento para escritora e por causa de uma paixão infantil arruina a vida e o relacionamento amoroso de sua irmã, faz referências literárias a todo momento e provoca uma sede por leitura, em especial do romance "Reparação", de Ian McEwan.

Cada cena contem o vigor de uma página literária e a narrativa nos conduz delicadamente a cada novo acontecimento e descoberta, propiciando surpresas dignas de um bom livro. A fragmentação do tempo, usada pelo diretor Joe Wright, nos conduz ainda aos diferentes pontos de vista, de acordo com cada personagem. Parece existir um narrado oculto que falha, erra, se arrepende e volta atrás. Nem tudo é real, nem tudo é o que parece, e isso o filme vai mostrando até a última cena.

Outra característica forte da presença literária é o envolvimento com os personagens. Embora o casal de protagonistas não nos permita um envolvimento maior, o sofrimento de ambos é transmitido para o espectador. E sem dúvida, a maliciosa Lola provoca raiva e a malvadinha Briony provoca raiva, desconfiança e até um pouco de pena.

Grande parte do mérito do filme e desse clima vem da trilha sonora. A forma como a trilha diegética (que faz parte da cena) torna-se incidental (que os personagens não ouvem na cena) e vice-versa, em especial com os sons de máquina de escrever, ajudam a nos transportar para as páginas de um romance filmado.

É perceptível, porém, que perde-se, na versão cinematográfica, a sutileza com que o tempo e os acontecimentos passam no livro. Coisas de adaptação. Mas nada que tire a beleza literária de uma obra cinematográfica que homenageia seu original ao invés de deturpá-lo.

Melhores e Piores de 2007

2008-01-02T22:33:00.000-08:00

Início e final de ano são as épocas ideais para esse tipo de lista. Segue então os filmes que eu mais gostei e os que nunca entrariam na lista dos meus melhores:

OS 10 PREFERIDOS

1º Babel, de Alejandro Gonzalez Iñáritu

2º Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho

3º Notas Sobre Um Escândalo, de Richard Eyre

4º Bubble, de Eytan Fox

5º Stardust: O Mistério da Estrela, de Matthew Vaughn

6º Paris, Te Amo, de vários diretores

7º Hairspray: Em Busca da Fama, de Adam Shankman

8º A Rainha, de Stephen Frears

9º Ventos da Liberdade, de Ken Loach

10º Alpha Dog, de Nick Cassavetes

Menções Honrosas

Os filmes Pro Dia Nascer Feliz (João Jardim), Person (Marina Person), O Ultimato Borne (Paul Greengrass), Across the Universe (Julie Taymor) e A Culpa É do Fidel (Julie Gavras) ficaram de fora, mas valem ser mencionados.

OS 5 PIORES

1º Número 23, de Joel Schumacher

2º A Estranha Perfeita, de James Foley

3º Instinto Secreto, de Bruce A. Evans

4º Letra e Música, de Marc Lawrence

5º Hollywoodland: Bastidores da Fama, de Allen Coulter

Menções Honrosas

Os piores também têm as menções dos que ficaram de fora. A Volta do Todo-Poderoso (Tom Shadyac) não faz jus ao primeiro filme, Medos Privados em Lugares Públicos (Alain Resnais) não é um péssimo filme, mas me causou estranheza, e é claro, O Amor nos Tempos do Cólera (Mike Newell) foi a grande decepção do ano.

Filmes do semestre

2007-07-14T16:21:00.000-07:00

O site "Liga dos Blogues Cinematográficos" realiza eleições dos filmes do semestre. Os participantes elegem os 10 melhores e os 5 piores que viram dos filmes lançados nos últimos seis meses. Apesar de eu não fazer parte do site, achei divertido fazer. Aqui vai minha lista:

Os 10 melhores:

1º Babel, de Alejandro González Iñárritu
2º Alpha Dog, de Nick Cassavetes
3º Proibido Proibir, de Jorge Durán
4º A rainha, de Stephen Frears
5º Ventos da Liberdade, de Ken Loach
6º Notas Sobre um Escândalo, de Richard Eyre
7º Pro dia nascer feliz, de João Jardim
8º Zodíaco, de David Fincher
9º Diamante de Sangue, de Edward Zwick
10º Borat, de Larry Charles

Os 5 piores:

1º Número 23, de Joel Schumacher
2º Hollywoodland: Bastidores da Fama, de Allen Coulter
3º A Estranha Perfeita, de James Foley
4º Letra e Música, de Marc Lawrence
5º Cão Sem Dono, de Beto Brant e Renato Ciasca

Os outros filmes lançados que eu assiti (na ordem de preferência):

Maria Antonieta, de Sofia Coppola
Pecados íntimos, de Todd Field
O Hospedeiro, de Bong Joon-ho
Sunshine – Alerta Solar, de Danny Boyle
Scoop O Grande Furo, de Woody Allen
Homem-Aranha 3, de Sam Raimi
Mais Estranho que a Ficção, de Marc Forster
Lady Vingança, de Chanwook Park
O Cheiro do Ralo, de Heitor Dhalia
O Passageiro – Segredos de Adulto, de Flávio R. Tambellini
A Família do Futuro, de Stephen Anderson
Caixa Dois, de Bruno Barreto

Focado

2007-07-12T11:31:00.000-07:00

Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix; Inglaterra/2007)

Transformar um livro de 700 páginas em 140 minutos de filme é uma tarefa difícil. Não importa quantas pessoas estejam envolvidas, o roteiro sempre vai precisar seguir por um só caminho ou priorizar determinadas coisas. É o que acontece com "Happy Potter e a Ordem da Fênix". Para deixar o filme coerente e adaptá-lo ao tamanho determinado, os roteiristas decidiram focar a história no protagonista que dá título à série. Com isso, a história da Ordem da Fênix, as tramas paralelas e até mesmo a Ordem de Fênix foram sendo suprimidas e diminuíram consideravelmente.

Apesar disso, o livro faz juz às confusões mentais e sentimentais que o protagonista passa no livro. Algumas normais aos adolescentes, outras que só o bruxo mais famoso do mundo teria. Ao escolher se concentrar nele, o filme mostra bem a evolução do personagem e prepara para o que virá.

O filme empolga, tem efeitos especiais de primeira linha e uma direção impecável. Tomadas aéreas do castelo, tudo muito bem cuidado e planos que fogem do óbvio estão presentes. O elenco continua afiadíssimo, com atuações perfeitas do time de feras que reúne Gary Oldman (Sirius), Ralph Fiennes (Voldemort), Maggie Smith (McGonnal), Fionna Shaw (Petúnia), Julie Walters (Sra. Wesley), Jason Isaac (Lúcio Malfoy), Michael Ganbom (Dumbledore), Alan Rickman (Spane) e até uma Emma Thompson (Sibilla) que participa pouco, mas briga. A surpresa veio com Imelda Staunton, que conseguiu deixar sua vilã Dolores Umbridge ainda mais irritante do que no livro.

A menina Emma Watson, que faz Hermione, brilha cada vez, preparando-se sem dúvida para ser uma grande estrela. Rupert Grint, o Rony, está cada vez melhor, mas teve pouca chance de se mostrar desta vez. E Daniel Radcliffe dá conta do recado como protagonista, mas fica aquém dos seus colegas.

Do ponto de vista do leitor de Harry Potter, a tragédia sofrida pelo protagonista fica muito pequena no filme, assim como a participação das divertidas Luna Lovegood e Tonks, que poderiam saltar aos olhos como no livro. Em compensação, a atmosfera criada para Bellatrix Lestrange faz dela uma vilã bem assustadora e impressionante, ajudada pela interpretação de Helena Bonham Carter.

O diretor David Yates faz um belo trabalho, ficando perto da competência de Alfonso Cuarón, diretor do terceiro filme. Assim, "Harry Potter e a Ordem de Fênix" funciona muito bem como a aventura fantasiosa a que se propõe e se aproxima de um público mais jovem e menos infantil.

Nas Profundezas da Vogue

2006-10-10T19:08:00.000-07:00

Pode soar estranho, mas o maior mérito de “O Diabo Veste Prada” talvez seja o fato de o filme se levar a sério. Para falar da maior revista de moda do mundo e dessa indústria que movimenta bilhões, o diretor David Frankel acertou ao não ridicularizar o seu tema.
Na trama, a desajeitada Andrea é uma jornalista recém-formada sem nenhum senso de estilo que resolve tentar o emprego de assistente da editora-chefe da maior revista de moda do mundo. A intérprete, Anne Hataway, não acrescenta muito, apenas repete sua já conhecida fórmula de “patinho feio que vira cisne”, como em “O Diário da Princesa”. Acaba servido de ponte para Meryl Streep brilhar.
No papel da temida e egocêntrica Miranda Priestly, a atriz arranca gargalhadas com o jeito calmo, inabalável e onipotente da personagem, que assim como o enredo, é baseada no livro de mesmo nome, escrito pela ex-assistente de Ana Wintour, editora da “Vogue”. Ou seja, o que vemos na tela nada mais é do que uma versão exagerada da redação e dos bastidores do poder da imprensa de moda.
Calcado nesta realidade, fica mais fácil esquecer o romance clichê e as situações senso-comum para se divertir com as trapalhadas de Andrea e o conflito de viver para o lado profissional e esquecer o pessoal. É aí que entra a discussão mais interessante do filme: a ambição pela fama e poder. O caminho escolhido é melhor do que o que discutiria a futilidade dos ricos e bem-sucedidos empresários do ramo.
Em uma das cenas mais memoráveis, Andrea ri quando uma estilista fica em dúvida entre dois cintos muito semelhantes. Miranda, irritada pelo deboche sobre sua profissão, dá uma lição na assistente, explicando que quando ela vestiu o estranho suéter largo de manhã e pensou que estava alheia à moda, ela estava usando um produto escolhido pela revista para uma coleção de anos atrás, que depois de passar por muitas etapas, foi parar no brechó onde ela o achou.
O filme acaba mostrando também o poder feminino no dia de hoje. Os homens retratados são fracos e secundários mesmo quando são bem-sucedidos, mas ainda assim sentem-se superiores. Como quando Andrea diz a um jornalista que se Miranda fosse um homem, só falariam de sua competência e não do seu jeito durão.
Usando uma trilha sonora pop e muitas cores, luzes e figurinos caprichados ( e milionários ), “O Diabo Veste Prada” cai no final moralista e na lição de que o dinheiro não traz felicidade. A história é bobinha e não traz nada de inovador, mas ainda assim vale pela curiosidade de saber um pouco mais do que está por trás de tanto glamour e dinheiro e pelas piadas divertidas e leves. Melhor que “Sessão da Tarde”, mas sem chegar ao horário nobre.

2006-10-10T17:28:00.000-07:00

Confira abaixo o ranking dos filmes vistos pelo TeleCinese no Festival do Rio 2006 e as notas de cada um:

Incompreensão humana

2006-10-07T10:48:00.000-07:00

Na Bíblia, a torre de Babel foi construída pelos descendentes de Noé e foi castigada por Deus, que fez com que cada um falasse um idioma diferente. Assim, ninguém se entendia dentro dela. É Babel que dá o nome ao filme de Alejandro Gonzalez Iñárritu, onde a incompreensão é um dos temas principais.
Usando o mesmo estilo que o consagrou, o roteirista Guillermo Arriaga ( de “21 Gramas” ) usa histórias desencontradas que se cruzam no final. O enredo é construído mostrando um mesmo tiro que atinge a vida de um casal americano, uma babá mexicana, uma família marroquina e uma adolescente e um pai japoneses. Mesmo que a ligação com a história soe um pouco forçada no último caso, o resultado não ficou comprometido.
Mais do que turistas americanos tentando falar inglês no Marrocos ou uma jovem surda-muda tentando ter uma relação amorosa, a incompreensão do filme é mais subjetiva, vem da alma de cada personagem.
O filme ainda traz um bom paradoxo com a diluição de fronteiras, aproximando cantos do mundo numa subversão do espaço físico, mas totalmente possível nos dias de hoje – e sem mencionar a Internet.
Brad Pitt e Cate Blanchet fazem atuações sóbrias na medida que o filme pede, Gael Garcia Bernal aparece quase inutilmente ( apesar de boa atuação, o personagem é quase dispensável ) e os atores desconhecidos dão a credibilidade que marca o tom de Babel.
A atmosfera pesada estende-se por todo o filme, mas é minimizada por um final esperançoso. Ao fim, tem-se a impressão de que ninguém está falando a mesma língua. Por mais que se entenda as palavras, a compreensão depende de muito mais.

A sutileza de uma guerra

2006-10-04T19:32:00.000-07:00

Um dos conflitos mais duradouros da história mundial, a briga entre irlandeses e o grupo radical IRA, pode ser explicado em sua origem nesse filmes.
Através da história de uma família camponesa do interior da Irlanda, o diretor Ken Loach mostra a arrogância e as atrocidades do exército britânico dentro da Irlanda, que leva dois irmãos a se juntarem a amigos para lutar contra a ocupação inglesa no país.
A relutância inicial do jovem médico Damien em fazer parte do movimento pela independência, transforma-se em obstinação e coragem que o leva a correr riscos e a lidar com o sofrimento pela perda de seus companheiros.
O filme causa uma aflição constante em ver os guerrilheiros sendo presos ou as mulheres – entre elas muitas idosas – sendo humilhadas e agredidas pelos oficiais. Essa aflição torna-se maior quando imaginamos que a realidade muitas vezes correspondeu a essa ficção.
Com um elenco afiado, ótima fotografia e uma direção primorosa, “The Wind That Shakes the Barley” faz jus à Palma de Ouro conquistada em Cannes, não só pela qualidade do roteiro e da produção, mas pela importância do tema e o modo como ele foi retratado na tela.
Mesmo que pensa para um lado, Ken Loach evita julgamentos e constrói seus argumentos na sutileza do vento que balança as plantações de cevada.

Para chegar ao paraíso

2006-10-01T15:56:00.000-07:00

Para filmar “O Céu de Suely”, o diretor Karim Aïnouz levou os atores para uma pequena cidade do Ceará onde o filme se passa, deu aos personagens os nomes de seus intérpretes, confiscou as roupas do elenco ( deixando apenas os figurinos ) e os obrigou a passar dois meses morando no lugar onde a trama se desenvolve.
O resultado foi um realismo incrível que aliado a uma boa história contada de modo competente, resulta em um belíssimo filme. Nele, a jovem Hermila deixa São Paulo e volta para sua pobre cidade-natal com um filho a tiracolo, esperando pelo marido que nunca volta. Desiludida, ela logo percebe que precisa deixar o lugar novamente e para conseguir dinheiro, rifa o próprio corpo por uma noite.
No lugar de um filme pesado, o diretor apresenta tudo de uma forma suave e em certos momentos quase romântica, mas ainda assim crua. Faz um jogo de esconder e mostrar que quebra um pouco a narrativa, dando a possibilidade de a imaginação do espectador também trabalhar.
No decorrer do filme, os personagens vão tomando forma e a história envolve de maneira que só um elenco de tirar o fôlego consegue com tanta perfeição. A realidade mostrada na tela chega a ser surreal para boa parte do público, mas é encarada com tanta naturalidade que torna-se compreensível.
No meio de tanta qualidade, a fotografia consegue se destacar ainda mais, fazendo jus ao seu realizador, Walter Carvalho. Não só os atores, mas a desconhecida e castigada paisagem nordestina surge de uma forma a encher os olhos.
Nas palavras do diretor, “O Céu de Suely” é um filme sobre a sutiliza da alma humana e a conclusão a que se pode chegar é exatamente essa.

Todo mundo tem um pouco

2006-09-28T19:08:00.000-07:00

Coqueluche do Festival do Rio de 2006, “C.R.A.Z.Y.” foi marcado por sessões lotadas e um sucesso resultante da repercussão “boca a boca”. Tanto que, segundo o blog Cinema Mon Amour, a estréia em circuito foi antecipada para o dia 06 de Outubro.
No filme, uma história aparentemente banal: família canadense de classe média constituída por um casal feliz e cinco filhos de personalidades muito diferentes: um rebelde, um intelectual, um esportista, um sensível e um bebê.
Longe do fácil caminho de explorar conflitos familiares e a relação da família com a política e a sociedade, o filme mostra a evolução do protagonista Zack através dos anos, calcado em seu gosto musical, de Pink Floyd ao punk.
Na fase David Bowie, o personagem atravessa a fase mais confusa, quando a dúvida em relação a sentimentos e sexualidade – presente em qualquer adolescente – atinge seu ápice, no que é provavelmente o melhor momento do filme.
Tudo em “C.R.A.Z.Y.” é muito real e natural, incluindo a brincadeira que a história faz com a fé e a religiosidade da família. O diferencial está na maneira de contar do diretor Jean-Marc Vallée, que faz do enredo simples, um filme leve mas extremamente interessante.
No final, tem-se a impressão de que o filme foi inspirado em uma história real, mas a verdade é que ela reflete muitas histórias reais: se não aconteceu, poderia ter acontecido com você ou qualquer um.

Fórmula velha, mas eficiente

2006-09-21T16:51:00.000-07:00

Na contramão da nova tendência de filmes realistas que trocam a fantasia por um enredo próximo ao real, “Dália Negra” retorna aos anos 40, não apenas na história apresentada no filme, mas em toda a sua concepção. Desde a primeira cena, o espectador mergulha na década longínqua e tem a impressão de estar assistindo uma produção de 60 anos atrás, mas com modernos efeitos de câmera e uma qualidade indiscutível.
O diretor Brian De Palma reconstitui uma Hollywoodland excitante, onde tudo pode acontecer. Do narrador à trilha sonora, tudo contribui para a atmosfera antiga e deslumbrante do meio do século, onde aspirantes a atriz faziam de tudo para conseguir um papel no cinema, conquistar fama e fortuna e se tornar uma grande diva.
A produção começa com policiais boxeadores lutando como se fossem super-heróis. Sr. Gelo e Sr. Fogo, como são apelidados, rapidamente ganham importância e um caso: uma aspirante a atriz assassinada. Começa então uma corrida atrás de pistas. Enquanto o protagonista Bucky vai trilhando um caminho perigoso e envolvendo-se com a filha de um poderoso milionário, o parceiro dele, Lee, beira a loucura em uma obsessão por resolver o crime. No meio de tudo, a sensual Kay, teme pela vida do namorado Lee e aproxima-se de Bucky.
Scarlet Johansson acerta o ponto exagerado como pedem as grandes divas de 40. Josh Hartnett funciona bem como ator principal, em uma interpretação normal. E Hillary Swank faz com que o público esqueça que ela não foi provida com muita beleza e consegue passar uma imagem sexy na ótima interpretação e caracterização.
De Palma acerta na condução, mas a ansiedade toma conta do final, quando uma série de revelações excita mas confunde. O roteiro cheio de surpresas é bem amarrado, mas a idéia de deixar restrito à última hora do filme acaba não sendo tão eficiente.
A atmosfera bem ao estilo de filmes de gângster faz com que “Dália Negra” seja um exemplo do bom e velho “cinemão”. Mesmo trazendo pouca inovação, o filme explica porque ainda gostamos dos clássicos.

Atriz de Aço

2006-09-08T11:19:00.000-07:00

Quando surgiu em 1993, o seriado “Lois & Clark: The New Adventures Of Superman” conquistou não só fãs dos quadrinhos do super-herói, mas um público enorme nos Estados Unidos. Logo, a Globo trouxe os episódios em versão dublada, batizado de “As Novas Aventuras do Superman” e mais tarde sem o “novas”, ficando apenas “As Aventuras do Superman”.
O sucesso no Brasil também foi imediato e levou a emissora a colocar a série em horário nobre na Quinta-feira e depois no Domingo ( com constantes mudanças, é verdade, mas durante certa época foi ao ar depois do “Fantástico” ). Além disso, foram exibidos todos os episódios, até o último, o que é bem raro de acontecer com enlatados americanos na TV aberta do Brasil.
Mas o que mais chamava a atenção no programa não era o bom roteiro, nem o humor, nem as aventuras bem boladas. Era um fator que já podia ser antecipado pelo título original da série: Lois Lane. Mais do que o par romântico do protagonista Clark Kent / Superman, a Lois aqui era também protagonista e peça-chave no desenvolvimento de todos os episódios e temporadas.
E o sucesso dela deve-se muito ao talento de sua intérprete, Teri Hatcher. A atriz enfeitiçou os homens que acompanhavam a série e serviu de modelo para as mulheres, construindo uma personagem forte e diferente das outras versões que a repórter teve em filmes e gibis.
O sucesso de Teri elevou o salário da atriz e na revista “Herói”, destinada a desenhos animados e seriados infanto-juvenis, foi criada a seção “Cantinho da Lois”, com curiosidades e fotos dela em todas as edições, mostrando que a paixão por Teri e Lois era quase unânime.
Na última temporada, o salário de Teri já havia ultrapassado o de Dean Cain, intérprete do Superman, e hoje é tido como um dos motivos que levou a Warner a cancelar o show.
Depois de fazer uma ponta em um filme de outro herói, 007, Teri sumiu do mapa e parecia fadada a ser lembrada apenas por “Lois & Clark”. Mas em 2005, ela engatou em “Desperate Housewives”, sucesso de público e crítica que garantiu o Emmy (uma espécie de Oscar da TV americana) de Melhor Atriz, levando a bela às lágrimas, principalmente pelo fato de nunca ter sido indicada a nada anteriormente, como ressaltou no discurso.
A maturidade que Teri conquistou desde o fim da série do homem de aço, em 1997, até o papel de destaque na nova série, oito anos depois, é evidente. E garante aos fãs saudosos da intrépida jornalista do “Planeta Diário”, um conforto em ver que mesmo se transformando em Susan, Teri continua nos rendendo bons momentos em frente à TV.

Sem pudor

2006-07-21T08:03:00.000-07:00

Transamérica ( EUA, 2005 )
Dirigido por Duncan Tucker

Comédias sobre transexuais ou qualquer outro gênero sexual diferente da maioria tendem a resultar em filmes pobres e medíocres. Mas esse não é o caso de “Transamérica”, uma feliz exceção.
No ‘road movie’, a transexual Bree descobre que tem um filho duas semanas antes de realizar a operação definitiva de troca de sexo e a condição imposta pela psiquiatra para que ela autorize a operação é que Bree vá conhecer e ajudar o filho desconhecido. Começa então uma viagem de carro de Nova York a Los Angeles onde os dois vão se conhecendo, sem que ele saiba que aquela mulher que se passa por missionária cristã é na verdade seu pai Stanley, que ele nunca conheceu.
O grande trunfo do diretor é dosar comédia e drama no tom certo. Os risos dos espectadores são contidos, não escancarados, assim como as situações do filme. Os momentos mais pesados não são suavizados por artifícios, mas sim pela realidade, já que entende-se que aquilo ali é comum dentro do contexto.
Os personagens vivem vidas outside, ela com um sub-emprego em um restaurante mexicano, ele com um passado de garoto de programa e vislumbrando uma carreira no cinema pornográfico. O que os une é a dificuldade de enxergar-se de verdade, o que precisa ser feito para que os outros os enxerguem.
Observar a relação dos dois sendo construída é talvez um dos pontos mais interessantes, a medida que Toby vai conhecendo e confiando em Bree, que oferece o cuidado que ele nunca teve. Sem perceber, os personagens vão adquirindo sentimentos típicos de pai e filho. Em certos momentos, é mais interessante observar a cabeça de um “menino perdido” de 17 anos, que alheio a convenções e normas da sociedade, confunde sentimentos fraternos com sentimentos quase incestuosos, resultado de seu passado de abuso e prostituição.
Felicity Huffman faz uma interpretação assustadoramente real que lhe rendeu a indicação ao Oscar de Melhor Atriz. Ela passa anos-luz da interpretação ok da vencedora Reese Whiterspoon, mas isso aumenta ainda mais o sentimento de exclusão da sociedade que a personagem tem. E o novato em cinema Kevin Zegers cumpre bem seu papel, mas fica um pouco escondido atrás da beleza.
Para dar certo, o filme precisava despir-se de todos os pudores. E é o que acontece. O diretor não se preocupa em mascarar nada e compõe os ambientes de modo que uma história underground não se torne um filme incômodo ou pesado. Mais do que o encontro entre um pai transexual e um filho problemático, “Transamérica” é o encontro de duas pessoas incompletas que precisavam se conhecer para encaixar a peça que faltava no quebra-cabeça.

TV aberta no Brasil

2006-05-27T20:32:00.000-07:00

A TV digital chega em breve ao Brasil e a discussão sobre o fato é muita. Boatos e especulações estão por toda parte e não sabemos se estamos sendo manipulados ou realmente está havendo uma grande confusão ou conflito de interesses. A escolha do sistema que será adotado no Brasil parece uma grande novela, cujo final está sendo adiado cada vez mais pelo governo.

É quase certo que o padrão japonês será o escolhido, já que as emissoras de TV aberta estão se mobilizando em uma campanha em prol dele. Apesar de ser o mais moderno e provavelmente mais adequado, o fato que justifica isso é que com o japonês, não será permitida a entrada de novos canais gratuitos, o que arruína, por exemplo, os planos das empresas de telecomunicação de integrarem esse lucrativo filão de espectadores. O padrão permite uma maior qualidade de programação ou uma divisão em diferentes programações em um mesmo canal. As emissoras vão optar pela maior qualidade, já que arcar com mais de uma programação simultânea não seria de interesse delas. E assim a banda de canais não pode ser estendida.
Em tempos de TV por assinatura, muita gente não sabe quais são os canais da TV aberta, transmitidos para qualquer casa que possua uma antena sem que o dono do aparelho de televisão precise pagar para assistir. Existem dois sistemas de antena, o VHF e o UHF. O segundo traz mais canais, mas não está disponível em todos os lugares. O primeiro é o sistema que pode ser, teoricamente, sintonizado em qualquer loca. Fiz um panorama das emissoras de TV presentes no Brasil atualmente:

TVE Brasil ( Canal 2 )

A TV estatal conta com a maior qualidade de conteúdo de programação, trazendo atrações educativas e culturais. Existe um investimento em bons programas infantis e muitos programas de entrevistas e debates. Sem fazer propaganda do governo, conta atualmente com um público formado por intelectuais, entre estudantes e professoras em uma maioria.

Globo ( Canal 4 )

Enquanto a TV Tupi, primeira emissora brasileira de televisão, entrava em decadência, a TV Globo investia em profissionais e conquistava o público. O lançamento foi polêmico, já que o dono, o empresário Roberto Marinho, utilizou recursos da empresa estrangeira Time, proibido pela legislação da época. Hoje, a Globo tem um poder absoluto e hegemonia incontestável, atende a todas as classes e possui a melhor qualidade técnica. A quinta maior emissora do mundo, porém, não é unânime: freqüentemente é acusada de manipulação. Já ajudou a eleger e derrubar presidentes e já foi tema de um documentário da BBC com várias acusações.

Bandeirantes ( Canal 5 )

A Band já foi “o canal dos esportes”, já teve novelas e já competiu pelo primeiro lugar de audiência. Hoje, não entra na briga e sobrevive com um bom público interessado nos esportes que transmite, além de um jornalismo competente e programas de variedades, alguns de fofocas e anúncios e outros interessantes com boas entrevistas. Ganha destaque em eventos como o carnaval, mas não é uma grande ameaça a Globo, com quem mantém uma boa relação. Possui dois canais segmentados, o "Band News" e o "Band Sports".

Rede TV! ( Canal 6 )

Mais nova de todas as emissoras, entrou no lugar da TV Manchete, que era controlada pela família Bloch e afundou em dívidas após um desastrado investimento em tecnologia. Começou bem, com seriados antigos, programas interessantes e a promessa de crescimento. Com o tempo, desandou no popularesco, sendo invadida por programas de fofocas e baixarias, do mais baixo nível.

Record ( Canal 7 )

Controlada pela Igreja Universal, a emissora com maior conteúdo religioso na programação nunca freqüentou a primeira posição na preferência do público, até o ano passado. Com um investimento pesado em tecnologia e em profissionais que tirou da Globo, a emissora copiou o padrão da líder de audiência e conseguiu aparecer. Demitiu o jornalista Boris Casoy, que imprimia opiniões fortes ao principal telejornal, e trocou por um casal de âncoras e um jornalismo mecânico ao estilo do “Jornal Nacional”, principal produto informativo da Globo. Além disso, a novela “Prova de Amor” conseguiu vencer a audiência da concorrente global e ameaçou até a audiência do JN, utilizando trama e atores conhecidos há muito pelos telespectadores.

CNT ( Canal 9 )

Lanterninha da audiência televisiva, o CNT vende espaços na programação e apresenta programas destinados ao público mais ignorante. Com péssima qualidade técnica, falta de sincronia entre áudio e vídeo e programas com baixaria e péssimo conteúdo. Pouca coisa salva na emissora, mas às vezes surge algum destaque que é logo capturado pelas emissoras maiores.

SBT ( Canal 11 )

Criado há 25 anos, o canal tem como dono Silvio Santos, ex-apresentador da Globo e um dos maiores comunicadores do país. Dedicado a uma faixa da população menos instruída e de classes sociais de média para baixo, com algumas exceções, o canal se perde um pouco ao tentar ter uma qualidade grande filmes e jornalismo misturado a novelas mexicanas e programas de auditório barato. Durante anos em segundo lugar na audiência, vem perdendo terreno para a Record e obrigado os diretores a realizarem mudanças bruscas e inesperadas na grade.

Segredo nosso de cada dia

2006-05-23T06:05:00.000-07:00

Caché (França, 2006)
Dirigido por Michael Haneke

Poderia ser um enredo de thriller americano: um casal comum e bem-sucedido começa a receber fitas de vídeo que monitoram a entrada e saída da casa e desenhos de um boneco jorrando sangue. Poderia, mas não é.
Em “Caché”, o diretor austríaco Michael Haneke se mantém fiel ao estilo de seu último trabalho lançado no Brasil, “A Professora de Piano”, de 2001: muitos planos parados e uma subjetividade exacerbada que esconde do espectador mais desavisado o verdadeiro tema do filme.
O enredo nos conduz a uma história de desestruturação familiar, onde segredos banais tomam dimensões exageradas e revelam aspectos da vida cotidiana que os personagens inconscientemente escondiam. A vida do casal e do filho de 12 anos passa a ser manipulada pela pessoa que envia as fitas e assim desenterra fantasmas do passado. “Caché” não entra no rótulo de filme de mistério, mas pode ser definido como um filme misterioso. Não pela condução do roteiro, mas pela multiplicidade de interpretações e dúvidas que é capaz de produzir.
Beirando o pânico, a dona-de-casa vivida por Juliette Binoche questiona os segredos que o marido interpretado por Daniel Auteuil não acha necessário expor. Sem escancarar seu foco, o longa é conduzido em uma narrativa quase entediante que transpõe exatamente o ritmo em que vivem os personagens. A sutiliza e o lugar-comum ajudam a compor e entender a idéia de que não importa quem ou por que as fitas estavam sendo enviadas, mas o quão vulneráveis são as pessoas.
Em “A Professora de Piano”, a personagem de Isabelle Huppert esconde a perversão sexual atrás de uma postura rígida e fria. Em “Caché”, o protagonista George esconde outro tipo de perversão, a de um ato egoísta quando criança, atrás de uma apatia melancólica.
Mais do que um drama sobre a queda de uma família normal, o filme é um conto atual sobre o poder das imagens, da falta de privacidade e da tentativa das pessoas de seguirem com suas normas e apatia pré-estabelecidas.
A produção francesa brilha e brinca com o título (“caché” significa “escondido”) e com o espectador, revelando-se aos poucos e provocando sensações próximas da realidade cotidiana de cada um.

Futuro que nos aguarda

2006-05-08T12:10:00.000-07:00

Estar na capa do caderno de cultura do principal jornal do Rio não é para qualquer um. A repercussão é imediata e pode abrir portas, dependendo do motivo da capa. Eduardo Valente sentiu esse gostinho na terça-feira, dia 02 de Maio. O motivo é que é o terceiro ano consecutivo em que o cineasta representa o Brasil com um curta-metragem no Festival de Cannes.

Formado em cinema pela UFF, Eduardo Valente era crítico de cinema no site "Contracampo" e venceu a competição de curta universitário com "O Sol Alaranjado". A vitória surpreendeu o próprio diretor, já que concorria com uma super-produção de uma universidade particular de Berlim. O presidente do júri do festival, o diretor Martin Scorsese (de "Taxi Driver") disse que escolheu o curta brasileiro porque o lembrou de quando era quando fazia seus primeiros filmes.

"O Sol Alaranjado" conta a relação de uma filha e de um pai doente. Já "Castanho", segundo curta dirigido por Valente e que esteve no Festival em 2005, é uma comédia sobre a beleza e a vaidade feminina. E o mais recente, o policial "O Monstro", que concorrerá no festival desse ano, conta um episódio trágico na vida de um pescador. O curta faz uma crítica à mídia televisiva.

As três produções, de qualidade excepcional, foram exibidas na Casa de Rui Barbosa, no Rio de Janeiro, junto com dois vídeo-clipes da banda Los Hermanos, que está presente na trilha sonora dos três curtas do cineasta.

Em entrevista concedida a mim para a TV PUC Rio, Valente disse que o papel dos novos cineastas é mostrar uma visão do mundo diferente das que vemos atualmente. Ele explicou que a maior vantagem do prêmio em Cannes foi a visibilidade que os curtas tiveram para o público em geral. E finalizou contando que acredita que o mercado de cinema brasileiro está melhor e que mesmo com alguns problemas a resolver, pode estar caminhando para o que seria o ideal.

E a pipoca de ouro vai para...

2006-04-25T19:21:00.000-07:00

Longe do marasmo e da (quase) previsibilidade do Oscar, a premiação de cinema da MTV Americana, o MTV Movie Awards, traz categorias divertidas e indicados que estão longe de serem os melhores, mas normalmente são os mais carismáticos. Ou pelo menos aqueles que conseguem conquistar o gosto de um público difícil de ser agradado, o público jovem.
Na última terça-feira, foram anunciados os indicados à edição 2006 do prêmio. Esse ano, os prêmios de “Melhor Ator” e “Melhor Atriz” viraram apenas “Melhor Performance”, com seis indicados. Além disso, as categorias de “Melhor Seqüência de Dança” e “Melhor Seqüência de Acão” deixaram de existir e o Movie Awards ganhou a categoria “Melhor Atuação Assustada”.
Confira os indicados, que serão escolhidos pelo público do mundo todo através do http://www.mtv.com/ :

Melhor Filme

O Virgem de 40 Anos
King Kong
Sin City
Os Penetras Bons de Bico

Melhor Performance

Joaquin Phoenix – “Johnny e June”
Jake Gyllenhaal – “O Segredo de Brokeback Mountain”
Rachel McAdams – “Vôo Noturno”
Steve Carell – “O Virgem de 40 Anos”
Terence Howard – “Ritmo de um Sonho”
Reese Witherspoon – “Johnny e June”

Melhor Performance em Comédia

Owen Wilson – “Os Penetras Bons de Bico”
Adam Sandler – “Golpe Baixo”
Steve Carell – “O Virgem de 40 Anos
Tyler Perry – “Madea's Family Reunion”
Vince Vaughn – “Os Penetras Bons de Bico”

Melhor Equipe

Steve Carell, Paul Rudd, Seth Rogen e Romany Malco – “O Virgem de 40Anos”´
Johnny Knoxville, Seann William Scott e Jessica Simpson – “Os Gatões”
Jessica Alba, Ioan Gruffudd, Chris Evans e Michael Chiklis – “O Quarteto Fantástico”

Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint – “Harry Potter e o Cálice de Fogo”
Vince Vaughn e Owen Wilson – “Os Penetras Bons de Bico”

Melhor Vilão

Cillian Murphy – “Batman Begins”
Hayden Christensen – “Guerra nas Estrelas: Episódio III – A Vingança dos Sith”
Ralph Fiennes – “Harry Potter e o Cálice de Fogo”
Tilda Swinton – “As Crônicas de Nárnia: o Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”
Tobin Bell – “Jogos Mortais 2”

Revelação

Andre 3000 – “Quatro Irmãos”
Islã Fisher – “Os Penetras Bons de Bico”
Nelly – “Golpe Baixo”
Jennifer Carpenter – “O Exorcismo de Emily Rose”
Romany Malco – “O Virgem de 40 Anos”
Taraji P. Henson – “Ritmo de um Sonho”

Melhor Herói

Christian Bale – “Batman Begins”
Jessica Alba – “O Quarteto Fantástico”
Daniel Radcliffe – “Harry Potter e o Cálice de Fogo”
Kate Beckinsale – “Underworld 2: Evolução”
Ewan McGregor – “Guerra nas Estrelas: Episódio III – A Vingança dos Sith”

Performance Mais Sexy

Beyoncé Knowles – “A Pantera Cor-de-Rosa”
Jessica Alba – “Sin City”
Jessica Simpson – “Os Gatões”
Ziyi Zhang – “Memórias de uma Gueixa”
Rob Schneider – “Gigolô Europeu por Acidente”

Melhor Luta

Kong X Aviões – “King Kong”
Stephen Chow X Axe Gang – “Kung-Fusão”
Angelina Jolie X Brad Pitt – “Sr. e Sra. Smith”
Ewan McGregor X Hayden Christensen – “Guerra nas Estrelas: Episódio III – A Vingança dos Sith”

Melhor Beijo

Jake Gyllenhaal e Heath Ledger – “O Segredo de Brokeback Mountain”
Taraji P. Henson e Terence Howard – “Ritmo de um Sonho”
Anna Faris e Chris Marquette – “Apenas Amigos”
Angelina Jolie X Brad Pitt – “Sr. e Sra. Smith”
Rosario Dawson e Clive Owen – “Sin City”

Melhor Atuação Assustada

Rachel Nichols – “Horror em Amityville”
Jennifer Carpenter – “O Exorcismo de Emily Rose”
Derek Richardson – “O Albergue”
Paris Hilton – “Casa de Cera”
Dakota Fanning – “Guerra dos Mundos”

Com saudades dos amigos

2006-04-23T11:35:00.000-07:00

No final de 1994, uma idéia aparentemente banal ganhou o horário nobre da NBC, uma das principais emissoras de TV americana: o seriado “Friends” mostrava a vida de seis amigos de 20 e poucos anos que viviam em Nova York. O que poderia ser mais um seriado mediano de humor transformou-se em um fenômeno de audiência e referência de séries de humor no mundo todo.
Portanto, foi muito sensato dos produtores decidir acabar a série quase no auge, depois de dez anos de sucesso e dos atores chegarem a cachês milionários ( em 2004, cada um ganhava um milhão de dólares por episódio ). Afinal, insistir em mais temporadas poderia levar “Friends” a um fracasso que obrigasse o seu fim e possivelmente acabasse com toda a repercussão em torno do programa.
A fórmula do sucesso parece simples. Roteiristas afiados, um elenco primoroso e muito bem escalado, participações especiais bem escolhidas e situações próximas do real, mas expondo o que a vida tem de mais engraçado. “Friends” não envelhece, é uma série para ver e rever em qualquer época.
Mas em busca de mais sucesso e de continuidade das cifras milionárias que o seriado movimentou, os executivos da NBC tentaram segurar aquele público fiel de alguma forma. Foi aí que os produtores sugeriram um spin off ( nome dado a um seriado que deriva de outro ) com o personagem Joey Tribbiani, interpretado pelo ótimo Matt Le Blanc. A idéia já deu certo outras vezes, mas ninguém pareceu entender o principal motivo do sucesso da série original.
Ao longo de dez anos, o público se envolveu com a história de seis amigos. Quem protagonizava “Friends” não era nenhum dos seis, mas sim a amizade que existia entre eles. E por isso, separar qualquer um dos personagens não poderia dar certo. Quebraria o que tanto encantou telespectadores. Perto do final, os personagens estavam mais caricatos, já que a característica mais marcante de cada um era exaltada ao máximo, para garantir que o público continuasse rindo e acompanhando.
Sendo transportado para outro programa, Joey perdeu boa parte das características que o marcaram e ficou perdido entre uma história já construída em outra produção e novas características que precisam ser controladas. Os coadjuvantes, apesar de bons atores, acabaram ficando extremamente caricatos, para compensar a apatia do personagem principal.
As piadas ficam repetitivas e ninguém consegue brilhar, nem mesmo o talentoso protagonista ou a engraçadíssima Jennifer Coolidge, que interpreta a empresária maníaca de Joey. No último episódio exibido, o público conheceu o pai de Joey. Para quem acompanhava “Friends”, era de se esperar um italiano burro, guloso e engraçado, que fosse uma versão mais velha de Joey. Mas eis que surgiu um americano gordo, rabugento e sem graça. Quando Joey fala alguma besteira, fica um vazio, a audiência acostumada a série antiga espera o comentário irônico de Chandler ( Matthew Perry ) a cumplicidade de Phoebe ( Lisa Kudrow ).
Tentando se distanciar da série que o originou, Joey perde suas características e seu público. A audiência vem despencando nos Estados Unidos e assim ele perde os fãs de “Friends” que o acompanharam e não conquista uma audiência própria. A opção é comprar os DVDs da série original e rever os episódios antológicos de um dos melhores enlatados americanos já produzidos.

DROPS: 14/04/2006

2006-04-14T19:32:00.000-07:00

Nova seção do TeleCinese, o Drops trará eventualmente notícias rápidas sobre televisão e cinema.

MUDANDO O TOM

Diferentemente de quando deixou a Globo, o humorista Tom Cavalcante tem usado tons mais que amigáveis para referir-se à antiga emissora. Ele fez elogios rasgados a toda a equipe do “Sai de Baixo” e garantiu que sua paródia de Ana Maria Braga vai se chamar Ana Maria Bela e não Ana Maria Brega.

VEM AÍ

Apresentadora do GNT, Chris Nicklas não gostou do projeto que a diretora do canal lhe ofereceu. Vão voltar a conversar para definir o novo programa de Chris. Enquanto isso, ela faz novamente a cobertura do Fashion Rio.

ASSINO EMBAIXO

Um grupo de telespectadores da MTV e fãs da VJ Marina Person se mobilizou para enviar e-mails à produção do programa “Cine MTV”, pedindo que a VJ volte a comandar a atração. Em 2006, a MTV resolveu trocar Marina pelo recém-contratado Felipe Solari. Uma das alegações dos fãs é de que Marina é a única apresentadora do canal formada em cinema.

A VOLTA DOS QUE NÃO FORAM

O produtor Frank Marshall garantiu que “Jurassic Park 4” sairá do papel. Segundo ele, o filme já tem um bom roteiro e Steven Spielberg pretende filmá-lo depois de “Indiana Jones 4”, que deve estrear nos cinemas no ano que vem.

POLÊMICA À VISTA

“X-Men 3” está cercado de mistérios, mas boatos garantem que o personagem Colossus (Daniel Cudmore) será bissexual. Ele ficaria dividido entre Vampira (Anna Paquin) e Wolverine (Hugh Jackman).

NA TELONA

O ator Kiefer Sutherland, protagonista da série “24 Horas”, agora é também produtor executivo do programa. Ele confirma que o seriado deverá virar filme, mas apenas em 2007. O contrato de Kiefer foi renovado por 3 anos. "24 Horas" é exibido no Brasil pela FOX.

As Nada Pedidas

2006-04-14T16:37:00.000-07:00

Finalmente, a MTV Brasil parece ter percebido que estava perdendo a característica principal. Na nova programação, a música está presente na maioria dos programas e os clipes voltaram a ser exibidos na íntegra.
Mas se tem um programa que nunca perdeu a característica nem nunca deixou de ter os clipes completos, esse programa é o Disk MTV. Durante muito tempo o carro-chefe da emissora, o programa apresenta os dez vídeos mais votados pelo público do canal.
O formato é obrigatório em qualquer canal musical. O programa costumava ser o de maior audiência na MTV nacional, mas com o passar do tempo, provavelmente pela falta de inovação, foi se perdendo um pouco no meio da grade.
Quando a ex-VJ Sarah estreou no programa, em 2000, a direção conseguiu inovar. Aumentou a duração para uma hora e meia e incluiu novos quadros, como um que mostrada os mais votados em uma cidade ou região específica. Foi uma excelente forma de quebrar a rotina da parada de sucessos e tornar o Disk mais atrativo.
Mas a inovação não durou muito e o formato original voltou ao ar. A atração é tradicionalmente apresentado por moças certinhas, um pouco caretas, mas um tanto animadas ( Cuca Lazarotto, Sabrina Parlatore, Sarah Oliveira e Carla Lamarca ). A exceção foi a primeira titular, Astrid Fontenelle. Ela tornou o programa um sucesso, ao esbanjar descontração na forma de apresentar.
Vemos então em Astrid uma provável tentativa da MTV de retomar o que o Disk MTV era. Na programação atual, ficou bem óbvio que a inspiração vem dos primórdios da emissora, tentando se reaproximar do público com formatos que ela própria consagrou. Mas aí é onde está seu erro.
As gêmeas Keila e Kênia tentam quebrar os padrões trocando implicâncias, farpas, gritinhos e comentários um tanto dispensáveis. O fato de uma dupla apresentar o programa deveria dar mais dinâmica, mas tudo ali parece ensaiado e monótono. Fica evidente o esforço para se produzir um programa informal e descontraído, mas o resultado é um constrangimento de quem assiste.
A MTV está acertando na mão com a volta as origens, mas o programa que traduz o que é a Music Television merecia um investimento à altura.

E sem precisar de prêmio...

2006-04-13T20:55:00.000-07:00

Edifício Master (Brasil, 2002)

Dirigido por Eduardo Coutinho

Se no “Big Brother Brasil”, nem o prêmio de um milhão de reais e nem a projeção nacional conseguem deixar os participantes interessantes ou fazer com que a produção selecione um elenco com algum conteúdo, no documentário “Edifício Master”, dirigido por Eduardo Coutinho e lançado em 2002, os personagens nos levam a uma viagem por um prédio que abriga uma incrível diversidade e histórias impagáveis.
O lugar existe em Copacabana. Antigo reduto de travestis e prostituição, o edifício Master, hoje, é um prédio mais familiar, mas que por ser muito grande, pode ter qualquer tipo de morador. Em busca dos melhores personagens, Coutinho e sua equipe entrevistaram os moradores que estivessem dispostos a aparecer na produção.
O resultado é uma boa seleção, com pessoas interessantes de se ver e ouvir. Cada um com sua particularidade, muitas vezes nos surpreendendo com tamanha sinceridade com que contam suas vidas diante da câmera. O mais importante é que o filme nos apresenta esses personagens sem julgar ou sem discutir. Fica claro que o protagonista do documentário é o prédio onde todas essas figuras convivem.
Eduardo Coutinho não apresenta nenhum estudo sobre o edifício Master. Não tenta achar ou definir nada. O interessante está exatamente aí, na sinfonia desafinada composta pela mistura de depoimentos tão diversos. Na montagem proposta pelo diretor, porém, os depoimentos menos interessantes foram deixados para o final, o que faz com que o filme perca um pouco do ritmo a medida em que vai acabando. Isso não compromete o resultado final, ainda mais porque no DVD é possível assistir aos depoimentos de forma aleatória, mas a montagem oficial deveria ter tido o cuidado de intercalar os destaques.
Falta também ao filme personagens mais polêmicos, o que pode ter sido opção do diretor. Para que não parecesse uma tentativa forçada de criar repercussão, personagens que criassem esse efeito provavelmente foram eliminados na seleção. Isso fica evidente ao perceber o modo como situações que poderiam ser chamariz para desviar a atenção do espectador são mostradas com discrição e leveza.
Se a cúpula da TV Globo fosse esperta, já teria cadastrado os moradores do edifício para usar na seleção do Big Brother.

Brilho Eterno de um Sonho

2006-04-08T20:59:00.000-07:00

Código 46 (Code 46; EUA/2003)

Dirigido por Michael Winterbottom

“Código 46”, exibido pelo Telecine Premium nesse Sábado, poderia ser aquele filme-pipoca de ficção científica sobre um futuro com clones e leis de restrição que contrariam qualquer luta pela liberdade vivenciada na nossa contemporaneidade. Mas não é.
O enredo, apesar de falar sobre uma paixão entre um investigador e sua principal suspeita, traz um elemento recorrente de produções recentes, mas que aqui aparece camuflado entre outros elementos: a memória. No filme, os dois protagonistas têm as memórias apagadas parcialmente em momentos distintos. Faz parte dos métodos utilizados pelo governo para controlar a população.
“Odisséia”, a clássica aventura de Ulisses pelos mares, demonstra que na Antigüidade, a memória era um item de grande valor. Era com ela que as pessoas contavam as histórias fascinantes que as permitiam por exemplo, se hospedar na maioria das novas terras que visitavam. Em tempos em que não havia modo de registro como gravações, as lembranças eram uma riqueza inigualável.
Em filmes como “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças” (de Michel Doungry, 2004) e “Vanilla Sky” (de Cameron Crowe, 2001), as pessoas pagam para apagarem parcialmente suas memórias. Se vêem no direito de influir no cérebro a fim de apagar aquilo que deseja. E ao que conduz o roteiro de ambos demonstra o medo que existe das conseqüências que isso poderia causar. Confusões mentais suficientes para levar a transtornos sem fim.
O futuro em “Código 46”, determina, assim como em “A Fortaleza” (de Stuart Gordon, 1993), que os nascimentos serão controlados. Em um mundo onde muitos nascimentos são resultado de clonagem e fertilizações in vitro, o que remete ao livro “Admirável Mundo Novo” (de Aldous Huxley, 1933), a população foi proibida de se relacionar com qualquer um que tenho pelo menos 25% de genes compatíveis e a violação disso significa infringir o tal código 46.
Essa é a representação da idéia de futuro como um lugar frio, sem relações de afeto, com total controle do governo, que através das novas tecnologias, mantém a ordem e exclui quem não se encaixa no padrão determinado de perfeição. É o medo de que as coisas tomem tamanha dimensão que os grandes milionários se unam para dominar nossas mentes e ações.
O filme de Michael Winterbottom, com Tim Robbins como protagonista, acaba com a esperança de se livrar da “matrix”, de viver livre, feliz e pleno. Conduz tudo friamente, e a relação sexual calorosa é explicada por uma interferência da ciência no corpo da protagonista. A estética é de um sonho constante, presente também no texto, através da narração da personagem de Samantha Morton, que faz referências a um sonho constante que está inteiramente relacionado aos acontecimentos.
O filme não se explica bem, não se desconstrói. Conduz a uma narrativa embaçada, confusa, produzindo no cérebro efeitos semelhantes ao que uma intervenção no subconsciente poderia causar.

Bella Persona

2006-03-30T19:08:00.000-08:00

Quem conhece a VJ Marina Person das telas da MTV, talvez não saiba que ela é uma cineasta. Além do curta-metragem “Almoço Executivo”, Marina dirigiu o documentário “Person”, exibido em grande estilo no cinema Odeon BR, na Cinelândia, Rio de Janeiro. Foi a estréia nacional da versão para cinema do documentário, dentro da mostra “É Tudo Verdade”. A TV Cultura, parceira do projeto, já havia exibido uma versão diferente, compacta.
Trata-se de um filme sobre Luis Sérgio Person, pai de Marina e cineasta consagrado no Brasil. L.S. Person dirigiu, entre outros, os elogiados “São Paulo S/A” e “O Caso dos Irmãos Naves”.
O título da produção traduz um pouco o que pode ser encontrado nela. Marina não trata apenas do cineasta Person, mas sim do pai visto pelos olhos e lembranças de suas filhas (Marina é irmã da apresentadora Domingas Person) e de sua viúva. Alternam-se momentos em que as três mulheres conversam sobre o homem, o pai e o marido que ele foi, e depoimentos de artistas e diretores que trabalharam e admiram Luis Sérgio.
Marina faz uma busca pelas origens e a carreira de Person, isentando-se da condição de filha, mas fazendo-se presente, já que seria impossível um distanciamento de um personagem tão presente em sua vida.
O documentário levou anos para ser concluído, passou por várias fases da vida da diretora, o que reforça a admiração que um profissional com uma vida tão curta deixou por onde passou. A entrevista concedida para Joana Fomm na TV Cultura é um dos pontos altos do filme, o momento onde captamos exatamente quem e como ele era.
As personalidades que passam pela tela – Ney Latorraca, Jorge Ben Jor, Eva Wilma, entre outros – também não se apresentam como apelação para ganhar credibilidade. Estão lá como fãs, amigos e colegas de trabalho. E fica claro que cada um conhecia um pedaço diferente da figura central, o que foi brilhantemente construído por Marina, em uma narrativa inteligente e despreocupada.
Um belo presente de filha para pai, de aprendiz para mestre, de cineasta para cineasta.

Informação: o documentário está previsto para ser lançado nos cinemas em 2006, quando L.S. Person completaria 70 anos

Saia... chata!

2006-03-12T23:30:00.000-08:00

Quando estreou no GNT, o “Saia Justa” foi motivo de notas entusiasmadas, elogios e repercussão. Como dizia um comercial do programa, não adianta apenas colocar quatro mulheres quaisquer juntas para que o debate seja interessante.
Apesar de não ter acompanhado o programa em sua primeira versão, pude constatar que se tratava de uma atração singular. A jornalista Mônica Waldvogel foi a grande revelação, mostrando uma personalidade forte e inteligente que os telejornais globais e mesmo o talk show “Dois a Um” escondiam. A atriz Marisa Orth, a cantora Rita Lee (que mais tarde viria a deixar a atração para ter seu próprio programa e fiou substituída por Marina Lima) e a escritora Fernanda Young ajudavam a compor o quarteto e dispensam apresentação.
Na mudança de temporada, a direção achou que estava na hora de mudanças bruscas para não perder o fôlego. Foi aí que a atriz Betty Lago e a filósofa Márcia Tiburi foram chamadas. E Luana Piovani, que procurava um emprego depois de deixar a Globo e fracassar na MTV, foi bater à porta do canal e acabou caindo de pára-quedas no sofá que as apresentadoras dividem.
O que se vê agora é um programa tão linear que cansa. Os temas são interessantes, a direção não erra na mão e o formato continua atual. O problema é que debates só tornam-se bons para quem está fora dele se os debatedores fizerem por onde. E aí está o problema da temporada 2005.
Mesmo depois de um ano, Márcia, Luana e Betty não conseguem criar uma química que justifique a escolha do telespectador. Elas são sempre iguais, com os mesmos clichês que o programa deveria combater. Betty ainda garante bons momentos e vez ou outra se mostra espontânea. Márcia é chata, sem nada a acrescentar, apenas a contestar com uma apatia impressionante. Luana não sabe de nada, não assiste nada, não conhece nada e tudo o que faz é contar causos de amigos playboys, amigas fúteis e divulgar sua peça, seu corte de cabelo, seus conhecidos...
Mônica Waldvogel acaba brilhando mais do que todas, parecendo ser uma entidade superior àquelas que a cercam. Ela está sempre afiada, com conhecimento amplo do que fala e não titubeia diante de nenhum assunto. Conduz tudo muito bem e segura a onda pelas quatro. Mônica ainda faz valer a pena assistir, mas é crescente o interesse pelo próximo absurdo de Luana ou a próxima reclamação de Márcia.
A edição especial do Dia Internacional da Mulher, ao vivo e com platéia, não mudou muito do habitual e a agilidade não foi recuperada. É preciso selecionar pelo menos duas novas companheiras que consigam dividir o brilhantismo de Mônica.

Desejo atendido?

Em recente entrevista, a jornalista Mônica Waldvogel contou que o contrato com o canal foi renovado. Mesmo apresentando o "Jornal das Dez" na Globo News, Mônica continuará à frente do "Saia Justa", mas disse que não sabe se as companheiras continuarão em Abril.

Fontes ligadas ao GNT garantem que é unanimidade no canal que Luana Piovani não se encaixa e que ela está fora da nova programação. Coincidência ou não, a atriz já apresentou um projeto de programa para a Rede Globo.

Convite

Convido os leitores do blog a opinar sobre mulheres que poderiam dividir o sofá. Eu convidaria a apresentadora Tatiana Mancini, ex-MTV, a atriz Patrycia Travassos e a autora e atriz Maitê Proença.

Façam suas apostas e dêem suas sugestões!

Surpreendente, pero no mucho

2006-03-08T23:00:00.000-08:00

Pelo segundo ano consecutivo, o Oscar contrariou as expectativas gerais e o prêmio de Melhor Filme não foi para aquele que era considerado o “favorito”, muitas vezes baseado não só na repercussão da produção, mas no resultado de outras premiações, como o Globo de Ouro.
É verdade que o resto da cerimônia desse ano foi regado a muita previsibilidade, mas isso aumentou ainda mais a surpresa do final estarrecedor. Em 2005, “O Aviador” tinha tudo para ser um arrasa-quarteirão no Oscar e dar finalmente o prêmio a Martin Scorsese, mas o azarão “Menina de Ouro”, de Clint Eastwood, acabou levando a melhor.
Em 2006, o espanto foi ainda maior. Todos os jornais, cinéfilos e até os pouco entendidos davam como certa a vitória de “Brokeback Mountain”, o drama sobre o romance de dois caubóis. O diretor do filme, Ang Lee, arrebatou o prêmio de “Melhor Direção”, o que aumentou a certeza de que a estatueta mais importante da noite seguiria nessa direção. O que aconteceu na “hora H”, foi Jack Nickolson anunciando alto e bom som: “...and the Oscar goes to: CRASH!”.
Foi realmente um crash para os espectadores. Nem a equipe do filme disfarçava o susto da vitória. Foi importante um prêmio para um enredo de racismo e preconceito étnico, mas ele acabou “roubando” a vez da consagração do amor homossexual visto com delicadeza e aceitação. Existem diversas teorias sobre o resultado, desde um favorecimento a um diretor que é praticante de uma nova religião cheia de adeptos em Hollywood, até a uma identificação dos votantes pela história se passar em Los Angeles.
Mas provavelmente a verdade é mais óbvia: a conversadora Academia não está pronta para glorificar um relacionamento entre dois representantes do maior símbolo da macheza hollywoodiana, tão famoso num filmes de faroeste. Preferiram reconhecer que “Brokeback Mountain” tinha a melhor trilha sonora, o melhor roteiro adaptado (quase original, pois foi criado a partir de um conto de 12 páginas), o melhor diretor... mas não é o melhor filme.
O resto da cerimônia seguiu bem. O novo apresentador Jon Stewart fez bonito e imprimiu sinceridade em piadas irônicas sobre o próprio evento e seus indicados. Os outros “favoritos” venceram como era esperado e o Oscar durou menos que o previsto, com as chatices habituais, mas abrindo mais espaço para a descontração e a agilidade.
Só nos resta esperar pelo próximo ano e tentar adivinhar se os membros votantes da Academia vão continuar surpreendendo o mundo. Uma coisa, porém, é certa: o suspense no final vai ser inevitável.

Em tempo: o que faz a única emissora aberta que possui os direitos de transmissão da festa, a Rede Globo, cortar as primeiras – e importantes – premiações para dar espaço ao Big Brother Brasil? Se é para ser assim, que não comprasse...

Força da Natureza

2006-02-24T20:03:00.000-08:00

O Segredo de Brokeback Mountain (Brokeback Mountain; EUA/2005)

Quando um filme toca forte um espectador, creio que fica mais difícil de analisá-lo. E confesso que isso atrasou meu texto sobre “O Segredo de Brokeback Mountain”. Após assistir ao filme 3 vezes, creio que é mais interessante analisar os sentimentos e os personagens do que o próprio filme, mas acho que isso não cabe a mim.

Ang Lee se livra dos preconceitos ao filmar uma incrível história de amor entre dois homens de uma forma rara. O mais impressionante da obra talvez seja a sutileza com que ele a conduz. Fica claro que o importante ali é o amor, não o sexo de seus protagonistas ou o desejo sexual de um pelo outro.

Tudo é bastante realista, mas de certo modo caricato, como a própria realidade. Os caubóis apaixonados são, à primeira vista, brutos e durões em excesso. Mas ao olhar de perto, percebe-se pequenos gestos e olhares que demonstram o desejo de Jack Twist por homens e Ennis del Mar como uma pessoa carente, que tem na sua solidão e dureza uma “casca” para seu interior frágil. A “casca” fala mais alto ao criar o medo e a culpa que ele sente daquela relação proibida.

O diretor exalta ainda a masculinidade de ambos e as desastradas vidas que eles levam longe da montanha onde são livres para se amar. As esposas Alma e Lureen são personagens incômodas, que nos deixam nervosos quanto entram em cena.

Assistindo em salas lotadas nos cinemas cariocas, percebe-se reações curiosas no decorrer do filme. O início da relação e seus conflitos – como Alma ou o chefe deles, Aguirre, descobrindo o romance – são acompanhados de mal-educadas gargalhadas. Os risos persistem durante um tempo, mas cessam quando entramos em um estágio de deslumbramento e dúvida: será que um amor proibido pela sociedade da época e cercado de aflição e dificuldade vai resistir ao tempo?

O objetivo de “O Segredo de Brokeback Mountain” pode ser conseguido facilmente por qualquer espectador que não seja um reacionário preconceituoso: esquece-se que são dois homens e passa-se a torcer para que esse amor seja infinito. Dá-se, então, assim como a mãe do caubói Jack, a benção a uma das coisas mais belas e importantes da vida.

Pessoas são pessoas

2006-01-24T19:42:00.000-08:00

Crash - No Limite (Crash; EUA/2005)

Desde a primeira cena, "Crash" revela sobre o que trata o enredo: preconceito. Tanto racial quanto étnico. Os personagens vão mostram-se racistas mesmo fazendo parte de alguma minoria. E é ainda no início do filme que ele surpreende os espectadores. Pensava-se que a intenção do filme era derrubar os estereótipos, mas aí está o engano.

O filme trata o tema de uma forma aparentemente superficial. Não explora a origem do preconceito, nem o porquê de sua manifestação. Ele faz uma abordagem um pouco crua, o que o torna ainda mais interessante. "Crash" mostra como pessoas estereotipadas caem na mesma armadilha e como isso vai se propagando.

Brincando com os acidentes de trânsito, que dão nome ao filme e servem apenas para conectar os personagens, o filme derruba o espectador cena a cena, transformando heróis em miseráveis e miseráveis em heróis, mostrando que no fim, são apenas pessoas. Viver em sociedade em um mundo como o de hoje, é estar sujeito a fazer parte de um grupo social, racial e étnico pré-determinado, e os erros e injustiças que cometem conosco acabam sendo repetidas por nós mesmos com outros. É um tapa na cara de todos que se sentem hostilizados por pertencer a uma minoria. E quando começamos a julgar um personagem, o filme nos dá outro tapa, mostrando que o ser humano tem muitas facetas.

E a surpresa a parte fica por conta da escalação do elenco, que assim como a intenção do filme de despir os estereótipos dos personagens, parece querer despir os estereótipos dos atores. Sandra Bullock vive uma dondoca fútil e preconceituosa, Brendan Fraser é um político mau-caráter e sério, Matt Dillon é um sofredor conflituoso... não fosse pelo final um pouco óbvio e um tanto piegas, seria um exemplo a ser dado ao lado de "Closer": uma realidade crua, mostrando as máscaras que criamos para nós mesmos.

Bom até que ponto?

2006-01-20T15:15:00.000-08:00

Vendo a Record tomar um espaço cada vez maior na TV e ameaçando a hegemonia da Globo ao encostar no ibope de "Bang Bang" e do "Jornal Nacional" com a novela "Prova de Amor", fica a dúvida: até que ponto isso é bom?
A hegemonia de uma emissora de TV em cima da transmissão aberta em um país nunca é boa. Os telespectadores ficam condicionados a assistir ao canal e assim cria-se uma rotina que impede a originalidade e a ousadia na criação de programas.
O problema é essa hegemonia ser quebrada da maneira como está sendo. Primeiro porque a Rede Record não faz distinção entre igreja e entretenimento. "Permitir" que uma emissora que prega uma religião em seus intervalos e programas fique tão popular, pode significar o crescimento da Igreja Universal em uma época em que precisamos cada vez mais que as religiões parem de influenciar em outros setores da sociedade.
Mas a questão não é nem essa. A Record ganha força fazendo exatamente o que a Globo faz, tirando profissionais da emissora e portanto importando o "padrão globo de qualidade". De que adianta dividir os telespectadores com uma novela com trama batida e atores bonitos e conhecidos? Ou reformular o jornalismo contratando profissionais da Globo e demitindo o âncora opinativo que imprimia um pouco de ousadia e opinião, coisa rara nos telejornais?
Portanto, não adianta quebrar a hegemonia de uma emissora de tv se for repetir o mesmo estilo e padrão da emissora líder e ainda por cima enfiando religião no meio. A TV brasileira carece de ousadia, programas mais educativos e ao mesmo tempo divertidos, que acrescentem algum tipo de conteúdo útil às cabeças das pessoas.

Enquanto a audiência se dividir entre produtos iguais, não faz diferença uma o ibope ser monopolizado por uma ou por várias emissoras.

Na mesma

2006-01-06T17:09:00.000-08:00

Não é novidade que emissoras de TV lançem novelas a fim de aproveitar o filão explorado pela Rede Globo, que movimenta tanto dinheiro e alcança altos índides de audiência.
Em 1990, a extinta TV Manchete lançou “Pantanal”, novela de Benedito Ruy Barbosa. Ela tinha a até então desconhecida Cristiana Oliveira como protagonista e o diretor foi Jayme Monjardim, um dos mais cobiçados da Globo atualmente. O resultado foram índices altíssimos de audiência, o que levou ao fim do humorístico global “TV Pirata”, exibido no mesmo horário, e levou o “Jornal da Globo” a amargurar o segundo lugar na audiência durantes meses.
Depois dela, algumas novelas de outras emissoras conseguiram um sucesso preocupante para a Globo, mas que não chegou nem perto do fênomeno que foi Pantanal. Prova disso é que os direitos da novela foram vendidos para a emissora e vai ganhar nova versão mais de 15 anos depois da exibição.
O motivo de tanto sucesso foi a inovação de usar cenas externas, belos cenários e uma trama diferente de tudo que já havia sido visto. O enredo contava a saga de três gerações de uma família de fazendeiros, mas tinha direito a mulher virando onça.
Depois de anos sem ter sua hegemonia ameaçada, eis que novas investidas voltam a preocupar a TV Globo. O sucesso de “Essas Mulheres”, na TV Record, deu a força necessária para o investimento em atores consagrados da concorrente, colocando um elenco de peso à frente de “Prova de Amor”. Apesar de não ter a qualidade técnica da Globo, a novela ganhou força com o fracasso de uma trama ousada no mesmo horário, “Bang Bang”. Provavelmente um indício de que o público não procura mais ousadia e diversificação. Os telespectadores de hoje, ao contário dos de quinze anos atrás, querem a mesma fórmula de antes com alguns novos elementos que disfarcem.
“Que Rei Sou Eu?”, trama global exibida às 19h em 1989, tinha personagens com nomes franceses e diversas citações à Revolução Francesa. Foi um sucesso. Portanto, os nomes americanos e o estilo de faroeste presentes em “Bang Bang” não são desculpa para o fracasso da trama. Nem a inexperiência de Fernanda Lima, afinal, Cristiana Oliveira também era desconhecida quando se tornou a estrela que protagonizou a novela da Manchete.
Novelas de época com tramas de escravos e imigrantes ou novelas atuais com separações de bebês e vilões maquiavélicos são o grande atrativo do público. Inovações sutis como uma trama sobre reencarnação ainda conseguem alavancar uma novela, mas criar outro ambiente radicalmente diferente do usual se tornou arriscado.
Enquanto espera-se uma evolução da sociedade que obrigue mudanças e inovações, o que realmente parece estar acontecendo é um crescente conservadorismo, um sentimento de que não querem mudanças e novidades, mas uma rotina televisiva que não se afaste do que buscam hoje em dia: o triunfo do bem sobre o mal com um final feliz e romântico.

MTV... de quê mesmo?

2005-12-29T16:57:00.000-08:00

Ao chegar na Espanha, fui assistar à MTV local. Além de conhecer os costumes do país, o objetivo era tecer uma comparação com a MTV Brasil. Há pouco tempo, a filial brasileira foi escolhida como a MTV com a maior qualidade de programação do mundo. Coloquei então na MTV Espanha esperando algo aquém da que posso ver todo dia, na minha casa.
A primeira coisa que assisti foi... um clipe. Um clipe (musical na MTV. Achei interessante e deixei sintonizado durante todo o dia. Para minha surpresa, foram exibidos clipes o dia todo. Como assim, clipes o dia todo? Que absurdo. Uma emissora de tv com clipes o dia todo?? Que idéia... mas espera. É MTV... de quê mesmo? Ah sim, Music Television. Televisão musical.
Pensemos então no efeito que aconteceu aqui. Com o passar dos anos, a MTV Brasil foi incorporando aos seus programas musicais, mais programas no estilo do horário nobre, que começaram a fazer sucesso. Tratavam-se de programas recheados de “atitude”, já que o slogan durante certo tempo foi “música + atitude”.
E com esse sucesso e a mídia noticiando cada vez mais – o beijo polêmico do “Fica Comigo” gay, a entrevista de José Serra no “Tome Conta do Brasil”, e por aí vai – a tendência foi deslocar seus VJs, agora estrelas da televisão brasileira, para programas mais sérios e mais... não-musicais.
Quem conhece as filiais pelo mundo, ainda que as nunca tenha visto, sabe como é a grande matriz, a MTV Americana. Ela possui apenas um programa de clipes. Se afastou completamente do objetivo inicial, mas explica-se: os norte-americanos podem contar com a MTV2, especializada em rock e música alternativa, com a MTV Only Videos, exibindo clipes o dia todo, e a MTV Universitária, feita por estudantes universitários do país todo.
E chega-se a conclusão que no âmbito de se tornar uma emissora de respeito, criada para o segmento jovem, dizendo-se inovadora, nossa “Eme Te Vê” (como diria Caetano Veloso) transformou sua faixa musical em alguns programas interativos (sendo que o principal corta os clipes antes que acabem ou depois de começar) e uma faixa vespertina sem apresentador, sem notícia ou sem qualquer tipo de seleção, destinada a exibir os vídeos mais recentes e que provavelmente cansaremos de assistir nos próximos três meses.
Adeus programas de clássicos, de hits, de gêneros separados. Na ânsia de se manter o título de melhor qualidade de programação, os diretores da filial brasileira copiam programas americanos imprimindo uma leve característica brasileira para chamar de adaptação e assim perdem a identidade. A MTV Brasil torna-se chata e desinteressante e assim as novas gerações que buscam a emissora atrás de programas que nada tem a ver com música, provavelmente não vão nem ter o conhecimento de que ela um dia foi a Music Television.

Felipe Dylon é recebido por Cicarelli em um programa de... namoro